På opdagelse i Mumbai-duoen Psycho Baikos dobbelthed

Efter deres seneste udgivelse talte vi med duoen om deres tilgang til produktion, motiverne, der former deres DJ-sæt, og deres eventyr i den audiovisuelle eksperimenteren.

Født ud af kaos og siden skærpet af bassen er der noget spændende under opsejling i Anay og Divyas lydunivers – tilsammen kendt som Psycho Baiko. Ved første øjekast kan man godt tage sig selv i at tænke: »Hmm, Psycho Baiko?« Og netop dér begynder intrigen. Under kaosset og uforudsigeligheden gemmer der sig en metode: en nøje gennemtænkt og systematisk arbejdsgang, der lader duoen bevæge sig flydende mellem mørkere, basdrevne lyde og varmere, grooveorienteret elektronisk musik. De omfavner kontrasten, og det giver dem mulighed for at skabe lyde, der nægter at falde til ro i én bestemt genre, stemning eller forventning.

Sådan brygger det organiserede kaos. A-siden er Anay aka Psycho, der dykker dybt ned i jungle, drum & bass, breaks, dubstep, UK bass, neurofunk, rave og venstredrejede klublyde, mens B-siden, Divya aka Baiko, udforsker en varmere palet af globale grooves, verdenspercussion, desert blues, downtempo, Afro house, disco og nostalgiske elektroniske lyde.

Denne dobbelthed går igen i deres tilgang til produktion. Deres debutsingle inden for DnB, ’Half My Sky’, kombinerer følelsesladet vokal med et lækkert stykke synkoperede trommer, der viser en blødere og mere personlig side af duoen uden for dansegulvet. Nummeret lader følelse, melodi og atmosfære træde i forgrunden og viser duoens evne til at kanalisere deres genre-flydende tilgang ind i noget dybt intimt. Psycho Baikos kreative vision rækker også ud over musikken. Med afsæt i baggrunde inden for journalistik, design og innovation i liveunderholdning har duoen udviklet et DIY-univers, hvor lyd, billeder og publikumsinteraktion mødes. Deres live-A/V-oplevelse bruger specialudviklet, glitch-kodet programmering til at skabe bevægelsesaktiverede billeder, der reagerer direkte på publikums bevægelser og gør dansegulvet til en aktiv del af kunstværket.

Med en masse ting på vej i løbet af de næste tolv måneder er der rigeligt under opsejling i Psycho Baiko-lejren – fra ny musik og videreudvikling af deres lyd til et endnu stærkere fokus på deres særprægede DJ-identiteter og en udvidelse af deres live-A/V-eksperimenter.

Med det i tankerne satte vi os ned med Anay og Divya for at tale om deres seneste single, hvordan deres aliaser Psycho og Baiko opstod, deres tilgang til produktion, det organiserede kaos, der former deres DJ-sæt, og den visuelle verden, de bygger omkring deres musik. Vi kommer også ind på deres live-A/V-eventyr, idéerne og teknologien bag dem, og hvad næste kapitel for Psycho Baiko ser ud til at blive.

For dem, der opdager Psycho Baiko for første gang: Hvordan vil I beskrive projektet med jeres egne ord?
PSYCHO BAIKO: Psycho Baiko er mindre et musikprojekt og mere en kreativ praksis, der bygger på at stille spørgsmål ved antagelser. I sin kerne er det en udforskning af musik, teknologi, historiefortælling og kultur, men det er også et stille oprør mod mange af de forestillinger om kreativitet, vi har arvet.

Som uafhængige kunstnere indså vi hurtigt, hvor dyrt det kan blive at lave elektronisk musik. Professionelle CDJ’er, visuel software, performance-teknologi og produktionsværktøjer kan få den kreative verden til at føles tilgængelig kun for dem, der har ressourcerne. Det ville vi ikke acceptere som den eneste vej. I stedet for hele tiden at spørge: »Hvilket udstyr skal vi købe som det næste?« begyndte vi at spørge: »Hvad kan vi selv bygge?«

Det spørgsmål blev gradvist fundamentet for Psycho Baiko. I dag skaber vi ud over vores egen musik browserbaserede kreative værktøjer og interaktive billeder, eksperimenterer med nye performanceidéer og fremstiller endda selv vores merchandise. Det handler ikke om at erstatte eksisterende teknologi – vi er taknemmelige for de utrolige værktøjer, der allerede findes. Det handler om at vise, at kreativitet ikke behøver begynde med dyrt udstyr. Hvis en person med en laptop, et webcam og en idé føler sig inspireret til at skabe på grund af noget, vi har bygget, så er det lykkedes for os.

Men oprøret rækker ud over teknologien. Jeg har altid været fascineret af kultur – gennem musik, dans, journalistik, poesi og antropologi – og jeg har aldrig følt mig tilpas med idéen om, at genrer kommer med regelbøger. Hvis disco skal være glædesfyldt, hvorfor må det så ikke være melankolsk? Hvis housemusik forventes at være blankpoleret og euforisk, hvorfor må den så ikke være gotisk eller foruroligende? Hvorfor må drum & bass ikke føre en samtale med indiske minder, poesi eller folketraditioner? For mig er genrer levende kulturelle sprog, ikke kasser, vi skal holde os inden for.

Der er også et dybt personligt lag i Psycho Baiko. Jeg har altid været tiltrukket af mørkere lydverdener – neurofunk, dark dubstep, industrielle teksturer og metal – men de rum har traditionelt haft relativt få kvinder i front. Kvinder bliver ofte opfordret til at være polerede, behagelige, smukke eller følelsesmæssigt tilbageholdende. Psycho Baiko gør modstand mod det. Jeg vil skabe plads til, at kvinder kan være højlydte, skarpe, indadvendte, kaotiske, sårbare og stærke og omfavne alle sider af sig selv uden at føle behov for at bløde deres kunstneriske stemme op.

I sidste ende handler Psycho Baiko ikke om at bevise, at vores måde er den rigtige. Det handler om at opmuntre til nysgerrighed. Psycho Baiko eksisterer for at stille spørgsmål ved de regler, vi arver – om musik, teknologi, køn og kreativitet – og derefter spørge, om de overhovedet behøver at eksistere.

Hvordan fandt Psycho Baiko først sammen, og hvad var den oprindelige vision, da I begyndte?
PSYCHO BAIKO: Når jeg ser tilbage, tror jeg ikke, Psycho Baiko begyndte med musik. Det begyndte med et spørgsmål. For omkring ti år siden sad jeg ved Marine Drive og lyttede til Ludovico Einaudi. Jeg husker, at jeg var fuldstændig opslugt af musikken og tænkte: »Hvad nu hvis en dirigent kunne male lyd frem med hver eneste bevægelse med taktstokken? Hvad nu hvis orkestret ikke bare skabte musik, men også billeder?« Jeg kunne ikke holde op med at tænke på det. Det var ikke bare en idé til en performance, men et spørgsmål om, hvordan forskellige kunstformer kunne opløses i hinanden.

Jeg vidste, at jeg ikke havde de tekniske færdigheder til at bygge noget i den stil, så jeg begyndte at lede efter en, der havde dem. Det var sådan, jeg mødte Anay. Når jeg ser tilbage nu, føles det uundgåeligt, at vi fandt hinanden, fordi vi begge udforskede kreativitet fra hver vores retning.

Den oprindelige vision var aldrig at blive DJ’s eller engang at bygge et »kreativt univers«. Vi ville bare skabe ærligt og følge vores nysgerrighed, hvor end den førte os.

Selve navnet er ret markant. Hvad er historien bag »Psycho Baiko«, og hvad repræsenterer det for jer i dag?
PSYCHO BAIKO: Det begyndte som et kælenavn, primært fordi jeg er uddannet psykolog og en komplet plage, når det kommer til idéer.

Min hjerne har for vane at skabe forbindelser, der nok ikke burde eksistere, og ADHD hjælper bestemt på det, så »Psycho Baiko« blev en kort betegnelse for den kaotiske nysgerrighed.

I kommer begge fra forskellige kreative baggrunde. Hvordan har jeres erfaringer med musik, design, journalistik, filmproduktion og liveunderholdning formet Psycho Baikos identitet?
PSYCHO BAIKO: Jeg tror, Psycho Baiko eksisterer, fordi ingen af os nogensinde har set kreativitet gennem én enkelt disciplins linse. Jeg har altid været fascineret af mennesker, kultur og historiefortælling. Psykologistudiet lærte mig at forstå menneskelig adfærd og følelser. At lære violin gav mig en dyb forståelse for orkestrering og musikalsk disciplin, mens dans lærte mig, at musik ikke bare er noget, vi hører, men noget, vi oplever fysisk. Journalistikkens verden gav mig en plads på første række til musik og kultur, så jeg kunne dokumentere kunstnere, bevægelser og fællesskaber, mens mit arbejde med liveunderholdning lærte mig, hvordan publikum knytter sig følelsesmæssigt til fælles oplevelser. Poesien lærte mig til gengæld at finde mening i stilhed, metafor og tilbageholdenhed.

Anay er på den anden side et af de sjældne mennesker, der naturligt bevæger sig mellem kunst, teknologi og ingeniørkunst uden at se nogen grænser mellem dem. Han tegner, maler, spiller guitar, skaber 3D-kunst, skriver kode, har studeret filmproduktion og lydteknik og har brugt årevis på at tænke over lyd, design og visuelle systemer. Han voksede op i en arkitektfamilie, hvor det næsten var en livsform at bygge ting. Hans instinkt er ikke bare at skabe noget smukt; det er at forstå, hvordan det fungerer, skille det ad og forestille sig, hvordan det kunne fungere anderledes.

Vi udfordrer konstant hinanden. Jeg skubber ham i retning af følelse og fortælling; han skubber mig i retning af eksperimenter og opfindsomhed. Et sted i den samtale finder Psycho Baiko sin identitet. På mange måder er Psycho Baiko det, der sker, når psykologi møder ingeniørkunst, poesi møder kode, kultur møder teknologi, og historiefortælling møder lyd.

Jeres seneste single, Half My Sky, føles som et vigtigt skridt i Psycho Baikos udvikling. Hvad skete der kreativt, da nummeret begyndte at tage form?
PSYCHO BAIKO: Half My Sky opstod, fordi Anay stillede mig et spørgsmål, jeg ikke kunne holde op med at tænke på.

Omkring oktober sidste år sagde han: »Det er på tide, at du begynder at lave din egen musik.« Først blev jeg begejstret og begyndte at tænke på idéer. Jeg overvejede at lave et Drum & Bass-nummer med min Shinchan-stemme som sample. Jeg forestillede mig samarbejder mellem indiske klassiske musikere og DnB-kunstnere, sange bygget op omkring dansere og alle mulige slags koncepter. Det var interessante idéer, men ingen af dem føltes, som om de behøvede at eksistere.

I juni, efter min anden DJ-optræden på The Kibono Party, spurgte han mig om noget, der ramte langt hårdere: »Hvor længe vil du blive ved med at spille andres plader? Er der ikke noget, du gerne vil sige med din egen stemme?« Næste morgen vågnede jeg med et svar. Jeg sagde til ham: »Jeg vil skrive en sang om, hvor meget jeg savner min søster.«

Vi havde boet i forskellige lande i næsten tre år, og den følelse havde aldrig rigtig forladt mig. Det mærkelige var, at jeg aldrig helt havde indrømmet det – ikke engang over for mig selv og bestemt ikke over for hende. Jeg indså, at der var følelser, jeg ikke helt kunne sætte ord på i en samtale, men måske kunne jeg udtrykke dem gennem musik. Det var dér, Half My Sky for alvor begyndte.

For mig har musik altid været mere end underholdning. Det er en måde at forstå følelser på, som ikke altid har ord. Jeg ville have, at vores egen musik skulle komme fra et sted med fuldstændig ærlighed i stedet for at forsøge at imponere nogen eller jagte en bestemt lyd. Hvis jeg skulle introducere min egen kunstneriske stemme, ville jeg have, at den begyndte med noget, der var følelsesmæssigt sandt.

Jeg vidste allerede, at det skulle være Drum & Bass. En af grundene til, at jeg elsker genren, er, at den er følelsesmæssigt grænseløs. Folk forbinder den ofte med intensitet eller energi, men jeg har altid følt, at den kan bære ømhed, længsel, sorg, håb og kærlighed lige så stærkt. Den blev det perfekte lærred for den historie, jeg ville fortælle.

Samtidig ville jeg bringe orkestrale teksturer ind som en stille hilsen til det sted, hvor min egen musikalske rejse begyndte: med violinen og den orkestrale musikverden. På mange måder blev Half My Sky et mødested mellem mine tidligste musikalske minder og den elektroniske musik, jeg gennem årene er faldet for.

Når jeg ser tilbage, tror jeg ikke rigtig, at Half My Sky er en sang om afstand. Det er en sang om kærlighed, der eksisterer, selv når livet trækker mennesker i forskellige retninger. Og jeg tror, det er derfor, den rammer folk. Næsten alle har et menneske, der er blevet en del af deres himmel, selv om personen ikke længere står ved deres side.

Kan I tage os gennem, hvordan Half My Sky blev til i studiet – fra den første idégnist til den færdige indspilning?
PSYCHO BAIKO: Da vi vidste, hvad sangen skulle sige, blev studiet et rum, hvor følelser kunne oversættes til lyd.

Vores proces er meget samarbejdsorienteret, men vi bringer naturligt forskellige ting til bordet. Jeg begynder som regel med sangens følelsesmæssige univers. Jeg nynner melodier, synger brudstykker af vokallinjer, foreslår instrumentering, beskriver teksturer, samler referencer og taler om den følelse, jeg forsøger at fremkalde. Nogle gange siger jeg noget helt abstrakt som: »Det her skal føles som smerten ved at savne nogen.« Sådan fungerer min hjerne.
Anay begynder derefter at oversætte idéerne til lyd. Han bygger arrangementer, eksperimenterer med syntese og sound design, former den harmoniske struktur og spørger hele tiden, hvordan vi kan gøre følelsen mere håndgribelig. Processen er sjældent lineær: Vi sender idéer frem og tilbage og udfordrer hinanden, indtil musikken føles følelsesmæssigt ærlig snarere end bare teknisk imponerende.
Vi var også meget bevidste om ikke at overproducere sangen. Hvert instrument skulle gøre sig fortjent til sin plads.

Den visuelle verden omkring nummeret føles lige så vigtig som selve musikken. Hvor tæt udviklede I lyd og billeder sammen?
PSYCHO BAIKO: Interessant nok var den endelige musikvideo slet ikke planlagt. Oprindeligt forestillede vi os noget langt mere konventionelt. Vi talte om at arbejde med dansere og optage en rigtig musikvideo, og Anay havde nogle egne visuelle koncepter, vi udforskede.

Så en dag åbnede jeg næsten ved et tilfælde de browserbaserede billeder, vi havde bygget, og begyndte at danse til Half My Sky på mit værelse. Jeg skærmoptog det, der skete på min laptop, så det igennem, og så faldt noget på plads. Jeg indså, at ingen koreograf eller skuespiller fysisk kunne udtrykke, hvad sangen betød for mig, på helt samme måde, fordi den kom fra et så personligt sted. Bevægelserne var ikke koreograferede; de var ganske enkelt min krops reaktion på noget, jeg havde skrevet.

Det var dér, vi besluttede at holde det enkelt. I stedet for at producere en større musikvideo lod vi følelsen føre an. Det, folk ser, er i bund og grund mig, der interagerer med billeder, vi selv havde bygget, og på en eller anden måde føltes det langt mere ærligt end noget af det, vi oprindeligt havde planlagt. Jeg tror, det er noget, vi gentagne gange har lært, mens vi har skabt dette projekt: Nogle gange er den mest autentiske løsning ikke den største. Det er den, der føles mest ærlig.

Én ting, der virkelig slog mig, er, at Psycho Baiko er vokset til noget, der er meget større end et musikprojekt. Hvornår indså I, at I var ved at bygge et helt kreativt økosystem i stedet for bare at udgive tracks?
PSYCHO BAIKO: Jeg tror ikke, der var ét bestemt øjeblik. Det skete så gradvist, at vi næsten ikke selv lagde mærke til det. Vi løste ét kreativt problem og endte næsten instinktivt med at skabe noget andet. Vi skrev et stykke musik, som fik os til at tænke på billeder. Billederne fik os til at spørge, om vi kunne bygge vores egne værktøjer. At bygge værktøjerne fik os til at gentænke performance. Performance førte til, at vi håndlavede merchandise. Ét spørgsmål førte ganske enkelt til det næste. Når jeg ser tilbage, indser jeg, at vi aldrig rigtig var interesserede i at skabe »indhold«. Vi byggede en måde at skabe på. På et tidspunkt holdt vi op med at spørge: »Hvad er den næste udgivelse?« og begyndte at spørge: »Hvad er den næste idé, der er værd at udforske?« Det er en helt anden tankegang.
Økosystemet opstod, fordi vores nysgerrighed nægtede at blive ét sted. Jeg tror også, det er derfor, vi ikke ser Psycho Baiko som et brand. Brands spørger som regel: »Hvordan forbliver vi konsekvente?« Vi har en tendens til at spørge: »Hvordan forbliver vi nysgerrige?«

Jeres browserbaserede interaktive billeder er et glimrende eksempel på at gøre teknologi tilgængelig. Hvordan opstod idéen, og hvordan har folk taget imod den, når de eksperimenterer med den?
PSYCHO BAIKO: Idéen kom faktisk fra dans snarere end teknologi. Vi har begge tilbragt årevis på dansegulve, og nogle af mine yndlingsminder handler ikke om at se DJ’s, men om at danse i timevis med komplet fremmede. Det er det, elektronisk musik altid har handlet om for os. DJ’en kan guide rejsen, men det er menneskene på dansegulvet, der virkelig bringer den til live.

Som DJ henter jeg en utrolig mængde energi fra danserne. Jeg danser med dem, lever af deres bevægelser, og jeg tror oprigtigt, at de er en af de mest oversete dele af den elektroniske musikkultur. Det ville vi gerne hylde. Så vi begyndte at spørge os selv: Hvad nu hvis publikum ikke bare så billederne? Hvad nu hvis de blev til billederne?

Sådan blev det browserbaserede visuelle system født. I stedet for at behandle billeder som noget, der projiceres bag DJ’en, ville vi have, at folk interagerede direkte med dem. Alt, hvad du behøver, er en browser og et webcam, og pludselig bliver din egen bevægelse en del af kunstværket.

På mange måder flytter det fokus tilbage til det sted, hvor vi mener, det altid har hørt hjemme: selve dansegulvet. Responsen har ærligt talt været fantastisk. Vi har brugt billederne til fester, og i det øjeblik folk opdager, at de styrer dem med deres egne kroppe, sker der noget. De bliver legesyge. De begynder at eksperimentere. Komplette fremmede begynder at danse sammen. Det har været utroligt givende at se, fordi det er præcis det, vi håbede, billederne ville gøre: opmuntre til deltagelse frem for passiv konsumption.

I sidste ende er det det, elektronisk musik altid har betydet for mig. Ikke at stå på en scene over folk, men at blive en del af den samme fælles oplevelse.

Anay har også udviklet browserbaserede sequencere og performanceværktøjer. Hvordan påvirker projekter som disse jeres måde at tænke live-elektronisk performance på?
PSYCHO BAIKO: Mere end noget andet har de ændret den slags spørgsmål, vi stiller.

Jeg tror ikke, vi er særligt interesserede i at bygge mere teknologi for teknologiens egen skyld. Vi er interesserede i at spørge, hvilken rolle teknologien faktisk bør spille i kunstnerisk udfoldelse.

En idé, jeg har tænkt over på det seneste, er en komposition om selve musikkens fødsel. Længe før instrumenter, længe før software og længe før elektronisk musik havde vi allerede rytme. Vi havde åndedræt, fodtrin, klap, stemmer, dans, sten, træ og lydene fra den naturlige verden. Mennesker lavede musik, længe før de havde teknologi.

Det fik mig til at tænke: Hvad nu hvis kroppen igen blev det primære instrument? Hvad nu hvis dansere, fodtrin, åndedræt, banken, primitive materialer og menneskestemmer dannede fundamentet for en komposition, mens teknologien blot hjalp med at indfange, forvandle og forstærke lydene i stedet for at blive midtpunktet? Jeg tror, det er dér, Anay og jeg mødes filosofisk. Uanset om han bygger browserbaserede sequencere eller interaktive billeder, er teknologien aldrig destinationen. Den er blot endnu et kunstnerisk medium. Den bør forsvinde ind i oplevelsen i stedet for at dominere den.

Det er også sådan, vi tænker på liveperformance. Publikum bør ikke gå derfra og kun tale om softwaren eller opsætningen. De bør huske, hvordan performancen fik dem til at føle, hvordan den inviterede dem til at deltage, og hvordan den skabte en fælles oplevelse.

Ironisk nok minder vores teknologiske eksperimenter os mere og mere om, at det stærkeste instrument, vi nogensinde får, stadig er menneskekroppen. Alt andet er blot en forlængelse af den.

Ser I en fremtid, hvor kunstnere i stigende grad bygger specialtilpassede værktøjer i stedet for udelukkende at være afhængige af kommerciel software og hardware?
PSYCHO BAIKO: Jeg tror ikke, at alle kunstnere behøver at blive programmører eller bygge deres egne værktøjer, og jeg tror heller ikke, at kommerciel software eller hardware er fjenden. Vi bruger selv mange af de værktøjer, og de har forvandlet musikskabelse på utrolige måder. Det, vi håber på, er, at kunstnere bliver mere trygge ved at stille spørgsmål ved de værktøjer, de får stillet til rådighed, i stedet for at antage, at de er den eneste måde at skabe på.

Alle kunstnere har deres egen måde at tænke på. Hvis dine idéer ikke passer pænt ind i eksisterende software eller performanceopsætninger, er det måske ikke en begrænsning, men en invitation til at opfinde noget nyt. Det har været vores erfaring med Psycho Baiko. Vi vågnede aldrig en dag og sagde: »Lad os bygge software.« Vi forsøgte ganske enkelt at løse kreative problemer, der betød noget for os.

Jeg tror faktisk, vi er på vej ind i en virkelig spændende tid, hvor kunstnere igen bliver skabere. De komponerer ikke bare musik; de designer instrumenter, bygger software, skaber visuelle systemer og opfinder helt nye måder at optræde på. Det er et smukt skifte, fordi det minder os om, at kunst og opfindelse altid har gået hånd i hånd. Endnu vigtigere håber jeg, at vi ikke mister blikket for, hvorfor vi bygger disse ting.

Med mere egen musik på vej: Hvor ser I Psycho Baiko udvikle sig hen over de næste par år?
PSYCHO BAIKO: Vi håber, at Psycho Baiko fortsætter med at blive mere tværdisciplinært snarere end mere forudsigeligt. Selvfølgelig kommer der mere egen musik, og det er en stor del af rejsen, men vi vil ikke have, at projektet begrænses til at udgive singler og spille koncerter.

Vi vil gerne fortsætte med at bygge medrivende liveoplevelser, hvor musik, billeder, teknologi, dans og historiefortælling eksisterer som én samtale i stedet for som separate elementer. Vi er også dybt interesserede i at udforske kultur gennem musik. Indien rummer en ekstraordinær mangfoldighed af musikalske traditioner, historier, sprog og måder at opleve rytme på, og vi vil blive ved med at finde respektfulde, nutidige måder, hvorpå disse verdener kan møde elektronisk musik – ikke gennem fusion for fusionens skyld, men gennem ægte dialog.

Vi vil også have, at Psycho Baiko forbliver et rum for eksperimenter. Nogle idéer bliver måske til plader. Andre bliver måske til visuelle installationer, tegneserier, essays, film, liveperformances eller kreative værktøjer. Vi vil ikke beslutte mediet, før vi har opdaget idéen.

I sidste ende: Hvad håber I, folk husker bedst om Psycho Baiko? Musikken, optrædenerne, teknologien eller ganske enkelt idéen om, at alle kan bygge noget meningsfuldt med de værktøjer, de har?
PSYCHO BAIKO: Helt ærligt håber jeg, at de husker tilladelsen mere end projektet. Selvfølgelig vil vi gerne have, at folk knytter sig til musikken. Vi håber, de danser til koncerterne, opdager noget nyt gennem billederne og finder mening i de historier, vi forsøger at fortælle. Men hvis det er alt, de husker, tror vi kun, at vi har opnået en del af det, vi satte os for.

Vi håber, Psycho Baiko minder folk om, at kunstnere ikke behøver at passe ind i pæne kategorier. Man kan være musiker og teknolog. Psykolog og DJ. Poet og producer. Danser og historiefortæller. Nogle af de mest spændende idéer opstår, når vi holder op med at spørge os selv, hvilken kasse vi hører til i, og begynder at spørge, hvad vi oprigtigt er nysgerrige på.

I sin kerne har Psycho Baiko altid handlet om at stille spørgsmål ved nedarvede antagelser: om musik, teknologi, kultur, køn og kreativitet. Ikke fordi vi har alle svarene, men fordi vi tror, at bedre spørgsmål ofte fører til bedre kunst.

Hvis folk husker os for noget, håber vi, det er dette: at vi efterlod den kreative verden en smule mere åben, end vi fandt den. At vi opmuntrede nogle få mennesker til at tage chancer, bygge noget selv og indse, at de aldrig behøvede nogens tilladelse til at kalde sig kunstnere.

For os ville det være en arv, der er langt større end streams, følgere eller festivalprogrammer.

Følg med hos TFword på: Instagram | Facebook | X

Du vil måske også kunne lide:

Sabre vender tilbage til Critical Music for at afslutte et uafsluttet Drum & Bass-ærinde

Mustard Music destillerer sin identitet på ’Inglorious Mustards 2’

Hospital Records sætter soundtrack til Forza Horizon 6 med 24 nye Drum & Bass-numre