À la découverte des dualités du duo de Mumbai Psycho Baiko

À l’occasion de leur dernière sortie, nous avons rencontré le duo pour parler de leur approche de la production, des motifs qui façonnent leurs sets de DJ et de leurs aventures dans le monde de l’expérimentation audiovisuelle.

Né du chaos puis aiguisé par les basses, quelque chose d’intéressant se prépare dans la sphère sonore d’Anay et Divya, réunis sous le nom de Psycho Baiko. Au premier abord, on peut se demander : « hmm, Psycho Baiko ? » Et c’est précisément là que commence l’intrigue. Sous le chaos et l’imprévisibilité se cache une méthode : un processus de travail réfléchi et systématique qui permet au duo de passer avec fluidité de sonorités plus sombres portées par les basses à une musique électronique plus chaleureuse et guidée par le groove. Ils embrassent le contraste, ce qui leur permet de créer des sons qui refusent de se laisser enfermer dans un genre, une humeur ou une attente uniques.

Voici comment se prépare ce chaos organisé. La face A, c’est Anay, alias Psycho, qui plonge dans la jungle, le drum & bass, les breaks, le dubstep, la UK bass, le neurofunk, la rave et les sonorités club leftfield, tandis que la face B, Divya, alias Baiko, explore une palette plus chaleureuse de grooves globaux, de percussions du monde, de desert blues, de downtempo, d’Afro house, de disco et de sonorités électroniques nostalgiques.

Cette dualité s’étend à leur approche de la production. Leur premier single DnB, « Half My Sky », associe des voix chargées d’émotion à une délicieuse ligne de batteries syncopées, révélant une facette plus douce et personnelle du duo, au-delà du dancefloor. Le morceau laisse l’émotion, la mélodie et l’atmosphère occuper le devant de la scène, démontrant la capacité du duo à transformer son approche fluide des genres en quelque chose de profondément intime. La vision créative de Psycho Baiko dépasse également la musique. Puisant dans leurs expériences du journalisme, du design et de l’innovation dans l’événementiel, les deux artistes ont développé un univers DIY où le son, l’image et l’interaction avec le public se rencontrent. Leur expérience live A/V s’appuie sur une programmation glitch conçue sur mesure pour créer des visuels activés par le mouvement, qui réagissent directement aux déplacements de la foule et transforment le dancefloor en partie intégrante de l’œuvre.

Avec quantité de projets prévus au cours des douze prochains mois, le camp Psycho Baiko est en pleine effervescence : nouvelle musique, évolution de leur son, affirmation de leurs identités distinctes derrière les platines et développement de leurs expérimentations Live A/V.

Dans cette optique, nous avons rencontré Anay et Divya pour parler de leur dernier single, de la naissance de leurs alias Psycho et Baiko, de leur approche de la production, du chaos organisé qui façonne leurs sets de DJ et de l’univers visuel qu’ils construisent autour de leur musique. Nous avons également abordé leurs aventures Live A/V, les idées et les technologies qui les animent, ainsi que le prochain chapitre de Psycho Baiko.

Pour celles et ceux qui découvrent Psycho Baiko, comment décririez-vous le projet avec vos propres mots ?
PSYCHO BAIKO : Psycho Baiko tient moins du projet musical que d’une pratique créative fondée sur la remise en question des présupposés. Au fond, c’est une exploration de la musique, de la technologie, du récit et de la culture, mais aussi une rébellion discrète contre nombre des idées que nous avons héritées sur la créativité.

En tant qu’artistes indépendants, nous avons vite compris à quel point la création de musique électronique pouvait coûter cher. Les CDJ professionnels, les logiciels visuels, les technologies de performance et les outils de production peuvent donner l’impression que le monde créatif n’est accessible qu’aux personnes qui en ont les moyens. Nous ne voulions pas accepter que ce soit la seule voie. Au lieu de nous demander sans cesse « Quel est le prochain équipement que nous devons acheter ? », nous avons commencé à nous demander : « Qu’est-ce que nous pouvons construire nous-mêmes ? »

Cette question est peu à peu devenue le socle de Psycho Baiko. Aujourd’hui, en plus de créer notre propre musique, nous concevons des outils créatifs accessibles depuis un navigateur, des visuels interactifs, nous expérimentons de nouvelles idées de performance et fabriquons même nos propres produits dérivés à la main. Il ne s’agit pas de remplacer les technologies existantes : nous sommes reconnaissants envers les outils extraordinaires qui existent déjà. Il s’agit de montrer que la créativité ne doit pas forcément commencer par du matériel coûteux. Si quelqu’un qui possède un ordinateur portable, une webcam et une idée se sent capable de créer grâce à quelque chose que nous avons conçu, alors nous avons réussi.

Mais la rébellion va au-delà de la technologie. J’ai toujours été fasciné par la culture — à travers la musique, la danse, le journalisme, la poésie et l’anthropologie — et je n’ai jamais été à l’aise avec l’idée que les genres soient accompagnés d’un règlement. Si la disco est censée être joyeuse, pourquoi ne pourrait-elle pas être mélancolique ? Si la house est supposée être brillante et euphorique, pourquoi ne pourrait-elle pas être gothique ou inquiétante ? Pourquoi le drum & bass ne pourrait-il pas dialoguer avec les souvenirs indiens, la poésie ou les traditions populaires ? Pour moi, les genres sont des langues culturelles vivantes, pas des cases dans lesquelles nous sommes censés rester.

Psycho Baiko comporte aussi une dimension profondément personnelle. J’ai toujours été attirée par les univers sonores plus sombres — le neurofunk, le dark dubstep, les textures industrielles et le metal — mais ces espaces ont traditionnellement laissé relativement peu de place aux femmes au premier plan. On encourage souvent les femmes à être impeccables, agréables, jolies ou émotionnellement réservées. Psycho Baiko s’y oppose. Je veux créer un espace où les femmes peuvent être bruyantes, abrasives, introspectives, chaotiques, vulnérables et puissantes, et embrasser toutes leurs nuances sans ressentir le besoin d’adoucir leur voix artistique.

En définitive, Psycho Baiko ne cherche pas à prouver que notre manière de faire est la bonne. Il s’agit d’encourager la curiosité. Psycho Baiko existe pour remettre en question les règles dont nous héritons — sur la musique, la technologie, le genre et la créativité — puis pour se demander si ces règles doivent vraiment exister.

Comment Psycho Baiko s’est-il formé au départ, et quelle était votre vision initiale lorsque vous avez commencé ?
PSYCHO BAIKO : Avec le recul, je ne pense pas que Psycho Baiko ait commencé par la musique. Tout a commencé par une question. Il y a une dizaine d’années, j’étais assise à Marine Drive en écoutant Ludovico Einaudi. Je me souviens avoir été complètement absorbée par la musique et m’être demandé : « Et si un chef d’orchestre pouvait peindre le son pour le faire exister à chaque mouvement de sa baguette ? Et si l’orchestre ne créait pas seulement de la musique, mais aussi des images ? » Je n’arrivais pas à chasser cette idée. Ce n’était pas seulement une idée de performance, mais une question sur la manière dont différentes formes d’art pouvaient se fondre les unes dans les autres.

Je savais que je n’avais pas les compétences techniques pour construire quelque chose de ce genre, alors j’ai commencé à chercher quelqu’un qui les possédait. C’est comme ça que j’ai rencontré Anay. Avec le recul, il semble inévitable que nous nous soyons trouvés, parce que nous explorions tous les deux la créativité depuis des directions différentes.

La vision initiale n’était pas de devenir DJ, ni même de construire un « univers créatif ». Nous voulions simplement créer avec sincérité et suivre notre curiosité partout où elle nous mènerait.

Le nom lui-même est assez singulier. Quelle est l’histoire derrière « Psycho Baiko », et que représente-t-il pour vous aujourd’hui ?
PSYCHO BAIKO : Tout a commencé comme un surnom, principalement parce que je suis psychologue de formation et une véritable terreur dès qu’il s’agit d’idées.

Mon cerveau a tendance à établir des connexions qui ne devraient probablement pas exister, et mon TDAH y contribue certainement. « Psycho Baiko » est donc devenu le raccourci de cette curiosité chaotique.

Vous venez tous les deux d’univers créatifs différents. Comment vos expériences dans la musique, le design, le journalisme, le cinéma et le spectacle vivant ont-elles façonné l’identité de Psycho Baiko ?
PSYCHO BAIKO : Je pense que Psycho Baiko existe parce qu’aucun de nous n’a jamais envisagé la créativité à travers le prisme d’une seule discipline. J’ai toujours été fascinée par les gens, la culture et le récit. L’étude de la psychologie m’a appris à comprendre le comportement et les émotions humaines. L’apprentissage du violon m’a donné une profonde appréciation de l’orchestration et de la discipline musicale, tandis que la danse m’a enseigné que la musique n’est pas seulement quelque chose que l’on entend, mais quelque chose que l’on éprouve physiquement. Le journalisme m’a offert une place privilégiée pour observer la musique et la culture, me permettant de documenter des artistes, des mouvements et des communautés, tandis que mon travail dans le spectacle vivant m’a appris comment le public se connecte émotionnellement aux expériences partagées. La poésie, à son tour, m’a appris à trouver du sens dans le silence, la métaphore et la retenue.

Anay, de son côté, est l’une de ces rares personnes qui passent naturellement de l’art à la technologie et à l’ingénierie sans voir de frontières entre ces domaines. Il dessine, peint, joue de la guitare, crée de l’art en 3D, écrit du code, a étudié le cinéma et l’ingénierie audio, et cela fait des années qu’il réfléchit au son, au design et aux systèmes visuels. Ayant grandi dans une famille d’architectes, construire des choses était presque un mode de vie. Son instinct ne consiste pas seulement à créer quelque chose de beau : il veut comprendre comment cela fonctionne, le démonter et imaginer comment cela pourrait fonctionner autrement.

Nous nous mettons constamment au défi. Je le pousse vers l’émotion et le récit ; il me pousse vers l’expérimentation et l’invention. C’est quelque part dans cette conversation que Psycho Baiko trouve son identité. À bien des égards, Psycho Baiko est ce qui arrive lorsque la psychologie rencontre l’ingénierie, la poésie le code, la culture la technologie et le récit le son.

Votre dernier single, Half My Sky, semble marquer une étape importante dans l’évolution de Psycho Baiko. Que se passait-il sur le plan créatif lorsque ce morceau a commencé à prendre forme ?
PSYCHO BAIKO : Half My Sky est né d’une question qu’Anay m’a posée et à laquelle je n’ai pas cessé de penser.

Vers octobre dernier, il m’a dit : « Il serait temps que tu commences à faire ta propre musique. » Au début, je me suis emballée et j’ai commencé à imaginer des idées. Je pensais faire un morceau de Drum & Bass en utilisant ma voix de Shinchan comme sample. J’imaginais des collaborations entre des musiciens classiques indiens et des artistes DnB, des morceaux construits autour de danseurs, toutes sortes de concepts. C’étaient des idées intéressantes, mais aucune ne me semblait devoir exister.

En juin, après mon deuxième DJ set à The Kibono Party, il m’a posé une question qui m’a beaucoup plus touchée : « Combien de temps vas-tu continuer à jouer les morceaux des autres ? N’y a-t-il pas quelque chose que tu veux dire avec ta propre voix ? » Je me suis réveillée le lendemain matin avec une réponse. Je lui ai dit : « Je veux écrire une chanson sur le manque que je ressens pour ma sœur. »

Nous vivions dans des pays différents depuis presque trois ans, et ce sentiment ne m’avait jamais vraiment quittée. Le plus étrange, c’est que je ne me l’étais jamais totalement avoué : pas même à moi-même, et certainement pas à elle. J’ai compris qu’il y avait des émotions que je n’arrivais pas vraiment à exprimer dans une conversation, mais que je pourrais peut-être transmettre par la musique. C’est à ce moment-là que Half My Sky a véritablement commencé.

Pour moi, la musique a toujours été plus qu’un divertissement. C’est une manière de comprendre des sentiments qui n’ont pas toujours de mots. Je voulais que notre musique originale parte d’un endroit totalement sincère, plutôt que d’essayer d’impressionner qui que ce soit ou de courir après un son particulier. Si j’allais présenter ma propre voix artistique, je voulais qu’elle commence par quelque chose de vrai sur le plan émotionnel.

Je savais déjà que ce serait du Drum & Bass. L’une des raisons pour lesquelles j’aime ce genre, c’est qu’il est émotionnellement sans limites. On l’associe souvent à l’intensité ou à l’énergie, mais j’ai toujours pensé qu’il pouvait porter la tendresse, le désir, le deuil, l’espoir et l’amour avec la même puissance. C’était la toile parfaite pour l’histoire que je voulais raconter.

En même temps, je voulais y intégrer des textures orchestrales, comme un discret clin d’œil à mes débuts musicaux : le violon et l’univers de la musique orchestrale. À bien des égards, Half My Sky est devenu le point de rencontre entre mes premiers souvenirs musicaux et la musique électronique dont je suis tombée amoureuse au fil des années.

Avec le recul, je ne pense pas que Half My Sky soit vraiment une chanson sur la distance. C’est une chanson sur un amour qui existe même lorsque la vie entraîne les gens dans des directions différentes. Et je pense que c’est pour cela qu’elle touche les gens. Presque tout le monde a quelqu’un qui est devenu une partie de son ciel, même si cette personne ne se tient plus à ses côtés.

Pouvez-vous nous expliquer comment Half My Sky a pris forme en studio, de la première étincelle jusqu’au morceau terminé ?
PSYCHO BAIKO : Une fois que nous avons su ce que la chanson devait dire, le studio est devenu un espace où traduire l’émotion en son.

Notre processus est très collaboratif, mais nous apportons naturellement des choses différentes à la table. Je commence généralement par l’univers émotionnel du morceau. Je fredonne des mélodies, chante des fragments de lignes vocales, suggère des instruments, décris des textures, rassemble des références et parle du sentiment que j’essaie de faire naître. Parfois, je dis quelque chose de complètement abstrait comme : « Il faut que cela ressemble à la douleur de l’absence. » C’est comme ça que fonctionne mon cerveau.
Anay commence ensuite à traduire ces idées en sons. Il construit des arrangements, expérimente avec la synthèse et le sound design, façonne la structure harmonique et se demande sans cesse comment rendre l’émotion plus tangible. Le processus est rarement linéaire : nous nous renvoyons constamment les idées, nous nous mettons au défi jusqu’à ce que la musique sonne juste émotionnellement, plutôt que simplement impressionnante sur le plan technique.
Nous étions également très attentifs à ne pas surproduire le morceau. Chaque instrument devait mériter sa place.

L’univers visuel qui accompagne le morceau semble tout aussi important que la musique elle-même. Dans quelle mesure l’audio et les images ont-ils été développés ensemble ?
PSYCHO BAIKO : Curieusement, le clip final n’était pas prévu du tout. Au départ, nous imaginions quelque chose de beaucoup plus conventionnel. Nous avions parlé de travailler avec des danseurs et de tourner un véritable clip, et Anay explorait aussi quelques concepts visuels de son côté.

Puis un jour, presque par accident, j’ai ouvert les visuels accessibles depuis un navigateur que nous étions en train de construire et je me suis mise à danser sur Half My Sky dans ma chambre. J’ai enregistré ce qui se passait sur l’écran de mon ordinateur, je l’ai regardé, et quelque chose s’est déclenché. J’ai compris qu’aucun chorégraphe ni aucun acteur n’aurait pu exprimer physiquement ce que cette chanson signifiait pour moi de la même manière, parce qu’elle venait d’un endroit si personnel. Les mouvements n’étaient pas chorégraphiés : c’était simplement mon corps qui répondait à quelque chose que j’avais écrit.

C’est à ce moment-là que nous avons décidé de rester simples. Plutôt que de produire un clip plus ambitieux, nous avons laissé l’émotion nous guider. Ce que les gens voient, c’est essentiellement moi en interaction avec des visuels que nous avions construits nous-mêmes, et cela nous a semblé bien plus sincère que tout ce que nous avions prévu au départ. Je crois que c’est quelque chose que nous avons appris à plusieurs reprises en réalisant ce projet : parfois, la solution la plus authentique n’est pas la plus imposante. C’est celle qui semble la plus sincère.

Une chose m’a particulièrement frappé : Psycho Baiko est devenu bien plus qu’un projet musical. À quel moment avez-vous compris que vous construisiez tout un écosystème créatif plutôt que de simplement sortir des morceaux ?
PSYCHO BAIKO : Je ne pense pas qu’il y ait eu un moment précis. C’est arrivé si progressivement que nous ne l’avons presque pas remarqué nous-mêmes. Nous résolvions un problème créatif et finissions, presque instinctivement, par créer autre chose. Nous écrivions un morceau, ce qui nous amenait à réfléchir aux visuels. Les visuels nous ont poussés à nous demander si nous pouvions construire nos propres outils. La création de ces outils nous a fait repenser la performance. La performance nous a conduits à fabriquer des produits dérivés à la main. Une question en entraînait simplement une autre. Avec le recul, je comprends que nous n’avons jamais vraiment cherché à créer du « contenu ». Nous construisions une manière de créer. À un moment, nous avons cessé de nous demander : « Quelle est la prochaine sortie ? » pour commencer à nous demander : « Quelle est la prochaine idée qui mérite d’être explorée ? » C’est un état d’esprit très différent.
L’écosystème est apparu parce que notre curiosité refusait de rester au même endroit. Je pense que c’est aussi pour cela que nous ne considérons pas Psycho Baiko comme une marque. Les marques demandent généralement : « Comment rester cohérents ? » Nous avons plutôt tendance à demander : « Comment rester curieux ? »

Vos visuels interactifs accessibles depuis un navigateur sont un excellent exemple de technologie rendue accessible. Comment cette idée est-elle née, et comment les personnes qui l’expérimentent ont-elles réagi ?
PSYCHO BAIKO : L’idée est en fait venue de la danse plutôt que de la technologie. Nous avons tous les deux passé des années sur les dancefloors, et certains de mes souvenirs préférés ne sont pas liés au fait de regarder des DJ, mais de danser pendant des heures avec de parfaits inconnus. C’est cela que la musique électronique a toujours représenté pour nous. Le DJ peut guider le voyage, mais ce sont les gens sur le dancefloor qui lui donnent véritablement vie.

En tant que DJ, je tire une énergie incroyable des danseurs. Je danse avec eux, je me nourris de leurs mouvements et je crois sincèrement qu’ils sont l’un des éléments les plus négligés de la culture de la musique électronique. Nous voulions leur rendre hommage. Nous avons donc commencé à nous demander : Et si le public ne se contentait pas de regarder les visuels ? Et s’il devenait les visuels ?

C’est ainsi qu’est né le système visuel accessible depuis un navigateur. Plutôt que de considérer les visuels comme quelque chose projeté derrière le DJ, nous voulions que les gens interagissent directement avec eux. Il suffit d’un navigateur et d’une webcam pour que vos propres mouvements deviennent soudainement partie intégrante de l’œuvre.

À bien des égards, cela recentre l’attention là où nous pensons qu’elle a toujours dû être : sur le dancefloor lui-même. La réaction a été, honnêtement, formidable. Nous avons utilisé les visuels lors de soirées, et au moment où les gens comprennent qu’ils les contrôlent avec leur propre corps, quelque chose change. Ils deviennent joueurs. Ils commencent à expérimenter. Des inconnus se mettent à danser ensemble. C’est incroyablement gratifiant à observer, parce que c’est exactement ce que nous espérions que ces visuels provoqueraient : encourager la participation plutôt que la consommation passive.

En définitive, c’est ce que la musique électronique a toujours représenté pour moi. Ne pas se tenir sur une scène au-dessus des gens, mais devenir partie intégrante de la même expérience collective.

Anay a également développé des outils de séquençage et de performance accessibles depuis un navigateur. Comment ces projets influencent-ils votre manière de penser la performance électronique live ?
PSYCHO BAIKO : Plus que tout, ils ont changé la nature des questions que nous nous posons.

Je ne pense pas que nous cherchions particulièrement à créer davantage de technologie pour le simple plaisir d’en créer. Nous voulons comprendre quel rôle la technologie devrait réellement jouer dans l’expression artistique.

Une idée à laquelle je réfléchis récemment est une composition sur la naissance de la musique elle-même. Bien avant les instruments, bien avant les logiciels et bien avant la musique électronique, nous avions déjà le rythme. Nous avions le souffle, les pas, les applaudissements, les voix, la danse, les pierres, le bois et les sons du monde naturel. Les êtres humains faisaient de la musique bien avant d’avoir la technologie.

Cela m’a amenée à me demander : et si le corps redevenait l’instrument principal ? Et si les danseurs, les pas, le souffle, les frappes, les matériaux primitifs et les voix humaines formaient la base d’une composition, tandis que la technologie se contentait de capturer, transformer et amplifier ces sons au lieu de devenir la pièce maîtresse ? Je pense que c’est là qu’Anay et moi nous retrouvons philosophiquement. Qu’il construise des outils de séquençage accessibles depuis un navigateur ou des visuels interactifs, la technologie n’est jamais la destination. Ce n’est qu’un autre médium artistique. Elle devrait disparaître dans l’expérience plutôt que la dominer.

C’est aussi ainsi que nous envisageons la performance live. Le public ne devrait pas repartir en ne parlant que du logiciel ou de l’installation. Il devrait se souvenir de ce que la performance lui a fait ressentir, de la manière dont elle l’a invité à participer et de l’expérience collective qu’elle a créée.

Ironiquement, plus nous expérimentons avec la technologie, plus elle nous rappelle que l’instrument le plus puissant dont nous disposerons jamais reste le corps humain. Tout le reste n’en est qu’une extension.

Imaginez-vous un avenir où les artistes concevront de plus en plus leurs propres outils au lieu de dépendre entièrement de logiciels et de matériel commerciaux ?
PSYCHO BAIKO : Je ne pense pas que chaque artiste doive devenir programmeur ou construire ses propres outils, et je ne pense pas que les logiciels ou le matériel commerciaux soient l’ennemi. Nous utilisons nous-mêmes beaucoup de ces outils, et ils ont transformé la création musicale de manière extraordinaire. Nous espérons simplement que les artistes se sentiront davantage à l’aise pour questionner les outils qu’on leur donne, plutôt que de supposer qu’ils constituent l’unique manière de créer.

Chaque artiste a une manière unique de penser. Si vos idées ne trouvent pas naturellement leur place dans les logiciels ou les configurations de performance existants, ce n’est peut-être pas une limite, mais une invitation à inventer quelque chose de nouveau. C’est ce que nous avons vécu avec Psycho Baiko. Nous ne nous sommes jamais réveillés en disant : « Construisons un logiciel. » Nous essayions simplement de résoudre des problèmes créatifs qui comptaient pour nous.

Je pense que nous entrons dans une période vraiment passionnante, où les artistes redeviennent des créateurs d’outils. Ils ne composent pas seulement de la musique : ils conçoivent des instruments, construisent des logiciels, créent des systèmes visuels et inventent des manières entièrement nouvelles de se produire. C’est un magnifique changement, parce qu’il nous rappelle que l’art et l’invention ont toujours avancé main dans la main. Plus important encore, j’espère que nous ne perdrons pas de vue pourquoi nous construisons ces choses.

Avec davantage de musique originale à l’horizon, comment voyez-vous évoluer Psycho Baiko au cours des prochaines années ?
PSYCHO BAIKO : Nous espérons que Psycho Baiko continuera à devenir plus interdisciplinaire plutôt que plus prévisible. Bien sûr, il y aura davantage de musique originale, et c’est une grande partie du voyage, mais nous ne voulons pas que le projet se limite à sortir des singles et à jouer sur scène.

Nous aimerions continuer à construire des expériences live immersives où la musique, les visuels, la technologie, la danse et le récit existent comme une seule conversation plutôt que comme des éléments séparés. Nous sommes également très intéressés par l’exploration de la culture à travers la musique. L’Inde possède une diversité extraordinaire de traditions musicales, d’histoires, de langues et de manières de vivre le rythme, et nous voulons continuer à trouver des façons respectueuses et contemporaines de faire dialoguer ces univers avec la musique électronique : non pas par souci de fusion, mais à travers un véritable échange.

Nous voulons aussi que Psycho Baiko reste un espace d’expérimentation. Certaines idées deviendront peut-être des disques. D’autres prendront la forme d’installations visuelles, de bandes dessinées, d’essais, de films, de performances live ou d’outils créatifs. Nous ne voulons pas décider du médium avant d’avoir découvert l’idée.

Au fond, qu’aimeriez-vous que les gens retiennent surtout de Psycho Baiko ? La musique, les performances, la technologie, ou simplement l’idée que chacun peut construire quelque chose de significatif avec les outils dont il dispose ?
PSYCHO BAIKO : Honnêtement, j’espère qu’ils retiendront davantage la permission que le projet. Bien sûr, nous voulons que les gens se connectent à la musique. Nous espérons qu’ils danseront pendant les concerts, découvriront quelque chose de nouveau grâce aux visuels et trouveront du sens dans les histoires que nous essayons de raconter. Mais s’ils ne retiennent que cela, nous pensons n’avoir accompli qu’une partie de ce que nous voulions faire.

Nous espérons que Psycho Baiko rappellera aux gens que les artistes n’ont pas à entrer dans des catégories bien définies. On peut être musicien et technologue. Psychologue et DJ. Poète et producteur. Danseur et conteur. Certaines des idées les plus passionnantes apparaissent lorsque nous cessons de nous demander dans quelle case nous appartenons et que nous commençons à nous demander ce qui nous intrigue réellement.

Au fond, Psycho Baiko a toujours consisté à remettre en question les présupposés hérités : sur la musique, la technologie, la culture, le genre et la créativité. Non pas parce que nous avons toutes les réponses, mais parce que nous croyons que de meilleures questions mènent souvent à un art meilleur.

Si les gens se souviennent de nous pour une chose, nous espérons que ce sera celle-ci : nous avons laissé le monde créatif un peu plus ouvert que nous ne l’avions trouvé. Que nous avons encouragé quelques personnes à prendre des risques, à construire quelque chose qui leur appartienne et à comprendre qu’elles n’avaient jamais eu besoin de la permission de qui que ce soit pour se dire artistes.

Pour nous, ce serait un héritage bien plus grand que des écoutes, des abonnés ou des programmations de festivals.

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