DnB: 2005–2015 – Die Ära der Erneuerung

In der letzten Ausgabe unserer vierteiligen Drum-&-Bass-Evolutionsreihe blickten wir auf die Zeit zurück, in der Neurofunk und Liquid Drum & Bass nach ihrem Aufkommen maßgeblich dazu beitrugen, ein größeres Publikum zu erreichen, das Menschen aus den dunklen wie den hellen Sphären des Genres anzog. Nun gehen wir weiter und werfen einen Blick auf das Jahrzehnt, in dem sich Drum & Bass durch seine beharrliche Entwicklung als eines der führenden Genres der elektronischen Musik behauptete.

Trotz einer soliden Infrastruktur und seiner Nähe zur Popwelt wurde Drum & Bass fast zehn Jahre lang von anderen Genres überschattet und schoss sich bisweilen selbst ins Knie. In der zweiten Hälfte der 2000er-Jahre beschloss Drum & Bass, einen Gang höher zu schalten und das Genre dorthin zu bringen, wo es hingehörte.

Nachdem Drum & Bass Anfang der 2000er in die düstereren und soulfuleren Gefilde vorgedrungen war, dort zunächst scheiterte und sich schließlich wieder aufrappelte, hielt eine neue Klangform Einzug. Der heute im modernen Drum & Bass allgegenwärtige „Dubwise“-Sound nahm Fahrt auf, indem er seine reggaegeprägten Wurzeln und Techno mit modernen Produktionstechniken verband – ein Stil, der die Entwicklung des Genres bereits Anfang der 90er vorangetrieben hatte.

Auch wenn Dub-influenced Drum & Bass und Jungle nichts Neues waren, wurden sie unter Liquid- und Neurofunk-Produzenten immer beliebter. Künstler wie Digital, Spirit und Breakage machten sich für den Sound stark, während Renegade Hardware es sich zur Aufgabe machte, seine Sichtbarkeit und schließlich auch seine Popularität zu steigern.

DIE ÄRA VON INTERNET, MP3 UND PENDULUM

In Großbritannien machte sich Sub Focus langsam einen Namen, während neue Künstler ihren Weg in die zuvor als abgeschottet geltende Szene fanden. Drum & Bass befand sich noch in seiner Katerphase, als das Internetzeitalter anbrach. Das Internet gab dem Genre die Chance, Orte zu erreichen, von denen es nie gedacht hätte, dorthin zu gelangen. Künstler konnten sich über Messenger vernetzen – und erkannten, dass das Genre zwei entgegengesetzte Enden der Welt erreicht hatte: Bis nach Brasilien und Japan veröffentlichten Menschen regelmäßig Drum & Bass.

Das größte Ergebnis des Internetzeitalters war Pendulum. Eine unerfahrene Band aus Perth, Australien, bestehend aus Rob Swire und Gareth McGrillen, die als Schulfreunde über die elektronische Musik gestolpert waren. Sie ahnten nicht, dass sie gemeinsam mit El Hornet, Peredur ap Gwynedd und KJ Sawka zu den Wegbereitern des modernen Drum & Bass werden würden.

Pendulum begann in Perth als DJ-Trio. Mit dem späteren Einstieg von El Hornet und Peredur ap Gwynedd machten sie schließlich gemeinsam Musik. Der erste von Pendulum produzierte Track war „Vault“ auf 31 Records – ein Tune, der sich wie ein Lauffeuer in der Drum-&-Bass-Szene verbreitete. Angesichts ihres Erfolgs bot DJ Fresh ihnen eine Unterkunft an, und ohne zu zögern beschloss die Gruppe, nach England zu ziehen. Der Umzug führte 2005 zur Veröffentlichung von „Hold Your Colour“, das sich als eines der meistverkauften Drum-&-Bass-Alben aller Zeiten herausstellte und das Genre in der elektronischen Musik an einen völlig anderen Ort brachte.

Das Album war so gut, dass Grooverider „Slam“ in seiner Radiosendung viermal zurückspulte, weil er von dem Tune nicht genug bekommen konnte. Pendulum stellte das Spiel auf den Kopf, und mit ihrem Auftauchen veränderte sich der Sound jedes Produzenten – alle wollten Drum & Bass wie Pendulum machen.

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=p_HnxvdeK0U] Die Schockwellen, die sie in der Szene auslösten, waren so gewaltig, dass die alten Hasen ihnen vorwarfen, ihre Karrieren zu ruinieren: Diese Jungs aus Perth waren mit einem völlig neuen Verständnis dafür in die Szene gekommen, wie sich die klangliche Wirkung maximieren ließ. „Hold Your Colour“ wurde bei den Australian Independent Record Awards als Best Performing Independent Album nominiert, und bei den West Australian Music Industry Awards (WAMIs) räumten sie in den folgenden Jahren so ziemlich alles ab.

Pendulum und die Welle brasilianischer Künstler, die auf V Recordings vertreten waren, waren letztlich Produkte des Internetzeitalters, das die Präsenz des Genres in Europa und dem Rest der Welt vergrößerte. Drum & Bass war auf Dubplate- und Vinylkultur aufgebaut. Künstler ließen ihre Dubplates gewöhnlich im berühmten „Music House“ in London schneiden. Dubplates oder Vinyls waren für DJs wichtig, um beim Auflegen geheime Waffen im Arsenal zu haben. Doch der Aufstieg des World Wide Web führte schließlich zum Niedergang der Dubplates und brachte ein neues digitales Format hervor: MP3.

Der Wechsel von Dubplates zu MP3 ließ die Verkäufe von CDs, Kassetten und vor allem Vinyls zurückgehen. Nach einer großen Veröffentlichung verkauften Labels oft 15.000 Exemplare, doch der digitale Wandel bedeutete, dass es weitaus einfacher war, eine digitale Kopie zu besorgen, als loszuziehen und eine Platte physisch abzuholen. Viele Produzenten begrüßten den Wechsel ebenfalls, weil sie die Dubplate- und Vinylkultur als hinderlich für die Verbreitung von Drum & Bass betrachteten – und sie hatten recht.

DJs begannen, USB-Sticks zu verwenden und ihre Musik mit in die Clubs zu nehmen, statt Hunderte CDs und Vinyls mitzuschleppen – ein logistischer Albtraum. Es dauerte nicht lange, bis der Rest Europas auf die im Internet verfügbare Musik aufmerksam wurde. Und als das geschah, explodierte die Szene.

NOISIA, CHASE & STATUS UND FABRIC LONDON

Die Jahre 2005 bis 2009 waren eine prägende Phase für Drum & Bass. In Großbritannien waren Künstler wie Shy FX, Goldie, Calibre und DJ Fresh größer denn je. Calyx & Teebee, die eines der einflussreichsten Drum-&-Bass-Labels, Subtitles Music, betrieben, waren jedoch auf etwas ganz anderem unterwegs. Der Katalog des Labels war mit britischen Künstlern gefüllt, und der norwegische Powerhouse Teebee bemerkte, dass sich in den Niederlanden eine Szene zusammenbraute. Schnell nahm er einige Künstler aus Englands östlichem Nachbarland unter Vertrag. Sie wurden zur ersten Welle nicht-britischer Künstler, die beim Label unterschrieben.

Einer dieser Künstler war das aus Groningen stammende Noisia. Wie Pendulum hätten sie sich bei ihrer Verpflichtung von Subtitles Music wohl kaum vorstellen können, dass sie zu den unbestrittenen Gamechangern des Drum-&-Bass-Genres werden würden. Schon vor ihrer Zusammenarbeit mit Subtitles hatten sie Musik auf Citrus Recordings, Shadow Law Recordings und Shogun Audio veröffentlicht; „Block Control“ auf Moving Shadow brachte ihren Namen auf die Weltkarte.

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=R4_YaEQGo-4] Neben bahnbrechenden Veröffentlichungen auf Labels in ganz Großbritannien gründeten sie ihr eigenes Label Vision Recordings [Fun Fact: Vision ist Noisia auf dem Kopf]. Bekannt für ihre Liebe zum Detail, verband ihr Sound präzise Programmierung und Layering mit wuchtigen Drums und Drops. Noisias Sound war schnell, langsam, aggressiv, entspannt, hart, soulful, melodiegetrieben, Bass Music – oder manchmal alles zugleich in einem Tune. Sie waren ein Act, der aus der Zukunft zu Drum & Bass geschickt worden war. Ihre Produktionen inspirierten eine ganze Generation von Produzenten und machten den Drum-&-Bass-Sound technischer als je zuvor. Der Erfolg von Vision Recordings führte zur Gründung zweier weiterer Labels: Invisible Recordings, das sich auf konventionellen Drum & Bass konzentrierte, und Division Recordings, das die experimentelle Seite des Genres erkundete.

Auf Vision Recordings erschienen außerdem Noisias zwei genreübergreifende Alben „Split The Atom“ und „Outer Edges“, auf denen Musik aus jedem Spektrum der elektronischen Musik vertreten war, das sie einfangen konnten.

Man kritisierte sie dafür, dass ihre Alben nicht „Drum-&-Bass-ig“ genug seien. Doch wer sich darüber lustig machte, hatte Noisias Botschaft nicht verstanden. Das Trio war schon bei seiner ersten Veröffentlichung unkonventionell. Selbst wenn man sie eingesperrt und aufgefordert hätte, ein Drum-&-Bass-Album im 4-to-the-floor-Stil zu machen, hätten sie lieber im Gefängnis gesessen. Experimentierfreude lag in ihrer DNA, und sie scheuten sich nie, genau das auszuteilen, worauf sie Lust hatten.

Schließlich nahm ihr unermüdlicher Veröffentlichungsrhythmus ab, weil sie sich stark auf ihre Labels und ihre Radiosendung konzentrierten. Das hielt sie jedoch nicht davon ab, von Zeit zu Zeit einen Banger herauszuhauen, der für sich genommen revolutionär war. Dazu gehörten „Dustup“, „Dead Limit“, „The Hole Pt.1“, „Feed The Machine“ mit Black Sun Empire und der jüngste, hirnzerfetzende Tune mit Skrillex.

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=U41bONK2V-U]

Im September 2019 kündigten sie an, nach einer Reihe von Shows im Jahr 2020 Schluss zu machen. Angesichts der Umstände sind wir jedoch nicht sicher, ob wir ihnen den Abschied bereiten können, den sie verdienen. Eines steht fest: Ihr Einfluss auf Drum & Bass wird weiterleben, bis das Genre sich selbst zu Grabe trägt.

Drum & Bass ist gesegnet mit Künstlern, die eine ganze Generation geprägt haben – Chase & Status gehören in diese Kategorie. Saul Milton (Chase) und Will Kennard (Status) lernten sich im College dank ihres gemeinsamen Interesses an Musik kennen. Nach Ausflügen in verschiedene Sounds beschlossen sie, zum Großangriff überzugehen. Es folgten zahlreiche Hits, darunter ihr Remix für Future Cut und der Breakbeat-Kaos-Hit „Duppy Man“, bis sie 2008 irgendwie noch ein Album in ihren eng getakteten Zeitplan quetschten. „More Than A Lot“ kam mit unerbittlichem Tempo daher und brachte das urbane Leben Großbritanniens in seine Musik. Dabei sprengte das Album mit Tunes wie „Pieces“ featuring Plan B, „Against All Odds“ featuring Kano und „Eastern Jam“, das 2009 von Snoop Dogg als „Snoop Dogg. Millionaire“ aufgegriffen wurde, die britischen Charts.

Anfang 2011 veröffentlichten Chase & Status „No More Idols“, nachdem sie einen Managementvertrag mit Jay-Zs Roc Nation abgeschlossen und Rihannas Album „Rated R“ von 2009 produziert hatten. Ihre vorherige Full-Length-Veröffentlichung hatte den Ton für ihre künftigen Produktionen vorgegeben, doch „No More Idols“ veränderte absolut und buchstäblich alles. Mit einigen der besten britischen Namen wie Tinie Tempah, Dizzee Rascal, Clare Maguire, Tempa T und White Lies revolutionierte das Album Bass Music als Ganzes.

2011 hatten sie in Großbritannien mehr als eine Million Singles verkauft und waren damit die größte Band des Landes. Ihr Album hielt sich 35 Wochen in den britischen Top 40 und erreichte Doppelplatin. Die beiden folgenden Alben hatten eine ähnliche Wirkung, doch „RTRN II JUNGLE“ stellte sicher, dass sie ihren Wurzeln treu blieben, indem es den rauen, rohen Reggae perfekt mit ihren messerscharfen Produktionstechniken ausbalancierte. Außerdem drehten sie eine kurze Dokumentation über ihre Erfahrungen beim Schreiben des Albums.

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=YXxtY0ZMvlE] Ihr Einfluss auf Drum & Bass muss nicht erklärt werden. Kurz gesagt: Es ist durchaus fair, sie als die aufregendsten Produzenten Großbritanniens zu bezeichnen.

Mit der bahnbrechenden Musik kamen auch DJ-Fähigkeiten. Ende der 2000er und zu Beginn des vergangenen Jahrzehnts mussten Produzenten auch hinter den Decks überzeugen, denn Auftritte waren zu einer wichtigen Einnahmequelle geworden. Es ging nicht mehr nur darum, gute Musik zu machen. Der Londoner Club Fabric sprang auf diesen Zug auf. Seit seiner Eröffnung 1999 bot Fabric DJs Raum, ihre Musik ohne Einschränkungen zu spielen, und veranstaltete dadurch die stärksten Line-ups der Bass-Music-Szene. Fabric reservierte die Freitage speziell für Drum & Bass – und diese Nächte machten die Karrieren mehrerer DJs der Szene.

Neben Roxy und XOYO, die große Residenzen veranstalteten und auf ihre eigene Weise abräumten, gab Fabric dem Underground-Drum-&-Bass eine Plattform zum Wachsen. Seit seiner Eröffnung sah der Club einige der größten Akteure der Szene auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte auflegen. Anfang 2010 hatte sich Fabric als Mutterschiff des Drum & Bass etabliert. Tragischerweise wurde die Lizenz des Clubs im September 2016 nach einer Überprüfung zweier drogenbezogener Vorfälle entzogen, und es wurde angekündigt, dass der Veranstaltungsort dauerhaft schließen würde. Doch eine von DJs, Musikern, Clubgängern und Politikern organisierte Kampagne, an der sich auch Londons Bürgermeister beteiligte und für Fabric einsetzte, änderte die Situation. 2017 öffnete Fabric schließlich wieder und nahm den Betrieb erneut auf. Die Kampagne war ein Beweis für den Einfluss, den der Club auf Drum & Bass und das Londoner Nachtleben im Allgemeinen hatte.

2011 BIS 2015, DUBSTEP UND DIE PHASE DES EXPERIMENTIERENS

Nachdem das Jahrzehnt begonnen hatte und man wusste, was die Szene in den vergangenen zehn Jahren erlebt hatte, war beinahe sicher, dass noch mehr kommen würde. Wie erwartet fragten die Hörer – und die Künstler lieferten. Zwei Männer standen dabei an vorderster Front: dBridge und Alix Perez.

dBridge wurde in Drum & Bass wegen seines umfassenden Wissens und seiner Erfahrung mit Synthesizern berühmt als „The Thinker“ bezeichnet. Von seinen rauen Produktionen mit Renegade Hardware über seine Beteiligung an der D&B-Supergroup Bad Company UK bis hin zu seiner Zeit als Instra:mental über sein Label Exit Records verfügte dBridge über die Expertise dreier klar unterscheidbarer Kapitel seines Lebens als Produzent und DJ. Mit seiner Instra:mental-Marke brachte er eine synthbasierte Revolution in Drum & Bass, indem er den Sound verlangsamte und Electronica-Elemente einführte. Beim ersten Hören von Instra:mental könnte man denken, es handle sich um Electronica. Doch wenn man den Sound auseinandernimmt, erkennt man, dass dBridges Intelligenz Stil- und Genregrenzen überquerte, um etwas Mutiges und Einzigartiges zu schaffen. Sein Sound entwickelte sich weiter und verbreitete sich in Europa und Nordamerika; Künstler wie Kabuki, Machinedrum, Fracture, Kid Drama und viele andere machten sich für ihn stark.

Ein Künstler, der dBridges Stil besonders verkörperte, war der belgische Don Alix Perez. Von Anfang an spielte Perez in einer eigenen Liga. Nachdem er als DJ und Produzent begonnen hatte, arbeitete er in kürzester Zeit mit Künstlern wie Jenna G, Redeyes, Sabre, MC Fats und Spectrasoul zusammen. Schon mit seinen ersten Produktionen galt Alix Perez als einer der besten Drum-&-Bass-Produzenten – doch eigentlich schrieb er nie wirklich Drum & Bass. Verwirrend, oder? Perez war ein Meister verschiedenster Stile und brachte sie mühelos in seine Musik ein. Alles begann mit seinem berühmten Album „1984“ auf Shogun, einem wegweisenden Aushängeschild des Belgiers. Das Album hatte alles: Liquid-Nummern, präzise und dreckige Roller, einen Hauch Hip-Hop und jene Form von Drum & Bass, für die er sich starkgemacht hatte: Halftime Drum & Bass.

Indem er experimentellen Hip-Hop, Electronica, Funk und Soul miteinander verband, brachte er die Welt zu Drum & Bass – und veränderte damit erneut den Sound des Genres. Künstler wie Camo & Krooked, Delta Heavy und Mr. Carmack tauchten tief darin ein. Diejenigen, die den Ansatz gemeinsam mit Alix Perez aufgriffen, waren jedoch Ivy Lab. Dank Kasras Bereitschaft, Experimenten auf seinem Label Raum zu geben, begannen Stray, Halogenix und Sabre, ihre eigene Interpretation von Halftime Drum & Bass zu entwickeln. Ihre 20/20-Clubnacht, die in London explodierte, war ein Pilotprojekt für diese Idee und leitete anschließend die gegenseitige Befruchtung von Drum & Bass und seiner nächsten Ära ein.

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=3YY84FHcJ9E]

dBridge sagte einmal „Die Tatsache, dass Drum & Bass in seinem dritten Jahrzehnt angekommen ist, zeigt, dass das Genre nicht verschwinden wird. Es ist groß genug, dass Pop-Acts es als Karriereweg wählen, und zugleich noch underground genug für Experimente. Lange Zeit hat Drum & Bass von anderen Genres geborgt, aber ich glaube, heute kann man sehen, wie sich die Rollen umkehren: Das Genre beeinflusst House und Techno. Es ist ein integraler Bestandteil der Tanzmusik als Ganzes. Es ist dort, wo es hingehört.“.

Seit seinem langsamen Aufkommen in der englischen Rave-Szene Anfang der 90er entwickelte sich Drum & Bass zwei Jahrzehnte lang weiter, wurde zerlegt und neu zusammengesetzt. In seinem dritten Jahrzehnt war es schließlich eines der energiegeladensten Genres und wurde später als Genre der „Innovatoren“ bezeichnet. Um den berühmten Kevin Shields zu zitieren: „Ich liebe es, wenn sich Dinge verformen. Deshalb liebe ich Drum-and-Bass-Musik.“