DnB: 2005–2015 – återuppståndelsens era

I den förra delen av vår serie i fyra delar om Drum & Bass evolution återvände vi till tiden då Neurofunk och Liquid Drum & Bass, efter sitt genombrott, bidrog till att skapa en bredare publik som lockade folk från genrens mörka och ljusa sidor. Nu går vi vidare och tittar på årtiondet då Drum & Bass, genom sin ständiga uthållighet, etablerade sig som en av de ledande genrerna inom elektronisk musik.

Trots en stabil infrastruktur och en god relation till popvärlden tillbringade Drum & Bass nästan tio år i skuggan av andra genrer – och sköt ibland sig själv i foten. Det var då, under 2000-talets andra hälft, som Drum & Bass bestämde sig för att växla upp och ta genren dit den förtjänade att vara.

Efter att ha utforskat Drum & Bass mörkare och mer själfulla sida, gått på pumpen och till slut rest sig igen i början av 2000-talet, började en ny ljudbild smyga sig in i Drum & Bass. Det så kallade ”Dubwise”-soundet, som i dag är vanligt inom modern Drum & Bass, började ta fart genom att förena de reggaeinfluerade rötterna och Techno med moderna produktionstekniker – en stil som drev genrens utveckling redan i början av 90-talet.

Även om dubinfluerad Drum & Bass och Jungle inte var något nytt växte det i popularitet bland Liquid- och Neurofunk-producenter. Artister som Digital, Spirit och Breakage gick i bräschen, medan Renegade Hardware tog på sig uppgiften att öka soundets synlighet och så småningom dess popularitet.

INTERNET-, MP3- OCH PENDULUM-ERAN

I Storbritannien höll Sub Focus långsamt på att göra sig ett namn, samtidigt som nya artister tog sig in på en scen som tidigare anklagats för att vara sluten. Drum & Bass befann sig fortfarande i sin baksmälla när interneteran kom. Internet gav genren en chans att nå platser som man aldrig hade trott var möjliga. Artister kunde hålla kontakt via meddelandetjänster, och då insåg de att genren hade nått världens två ytterligheter – med människor så långt bort som i Brasilien och Japan som regelbundet släppte Drum & Bass.

Internet-erans största resultat var Pendulum. Ett oerfaret band från Perth i Australien, bestående av Rob Swire och Gareth McGrillen, som upptäckte elektronisk musik när de gick i skolan tillsammans. Föga anade de att de, tillsammans med El Hornet, Peredur ap Gwynedd och KJ Sawka, skulle bli pionjärer inom modern Drum & Bass.

Pendulum började som en DJ-trio i Perth och började så småningom göra musik tillsammans efter att El Hornet och Peredur ap Gwynedd anslutit. Det första spåret Pendulum producerade var ”Vault” på 31 Records – en låt som spred sig som en löpeld på Drum & Bass-scenen. När DJ Fresh såg deras framgång erbjöd han dem en plats att bo på, och utan att tveka bestämde sig gruppen för att flytta till England. Pendulums flytt till England resulterade i släppet av ”Hold Your Colour” 2005. Albumet blev ett av de bäst säljande Drum & Bass-albumen genom tiderna och tog genren till en helt annan plats inom elektronisk musik.

Albumet var så bra att Grooverider spelade tillbaka ”Slam” fyra gånger i sitt radioprogram eftersom han inte kunde få nog av låten. Pendulum vände upp och ner på spelplanen, och efter deras genombrott förändrades alla producenters sound – alla ville göra Drum & Bass som Pendulum.

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=p_HnxvdeK0U] Chockvågorna de skickade genom scenen var så stora att veteranerna anklagade dem för att förstöra deras karriärer, eftersom de här killarna från Perth hade kommit in på scenen med en helt annan förståelse för hur man maximerar sonisk effekt. ”Hold Your Colour” nominerades till Best Performing Independent Album vid Australian Independent Record Awards, och under de följande åren vann de allt som gick att vinna vid West Australian Music Industry Awards (WAMIs).

Pendulum och vågen av brasilianska artister som medverkade på V Recordings var i slutändan produkter av interneteran, som lyfte genrens närvaro i Europa och resten av världen. Drum & Bass byggde på dubplate- eller vinylkulturen. Artister brukade skära sina dubplates på det berömda ”Music House” i London. Dubplates eller vinylskivor var viktiga för DJ:er som ville ha hemliga vapen laddade i sin arsenal under spelningarna, men World Wide Webs framväxt ledde så småningom till dubplates nedgång och gav upphov till ett nytt digitalt format: MP3.

Övergången från dubplates till MP3 innebar en nedgång i försäljningen av CD-skivor, kassetter och framför allt vinyl. Efter en stor release kunde skivbolag sälja 15 000 exemplar, men den digitala övergången innebar att det var betydligt enklare att köpa en digital kopia än att ge sig ut och köpa en fysisk skiva. Övergången välkomnades också av många producenter, som ansåg att dubplate- och vinylkulturen hämmade Drum & Bass expansion – och de hade rätt.

DJ:er började använda USB-minnen och tog med sig musiken till klubbarna i stället för att släpa på hundratals CD-skivor och vinylskivor, vilket var en logistisk mardröm. Det tog inte lång tid innan resten av Europa fick upp ögonen för musiken på internet, och i samma ögonblick exploderade scenen.

NOISIA, CHASE & STATUS OCH FABRIC LONDON

2005–2009 var en epokdefinierande period för Drum & Bass. I Storbritannien var artister som Shy FX, Goldie, Calibre och DJ Fresh större än någonsin, men Calyx & Teebee, som drev ett av de mest inflytelserika Drum & Bass-bolagen, Subtitles Music, höll på med något annat. Bolagets roster var fylld av brittiska artister, och den norska kraften Teebee började lägga märke till en scen som bubblade i Nederländerna. Han värvade snabbt några artister från Englands östra grannland, och dessa blev den första vågen av icke-brittiska artister att skriva kontrakt med bolaget.

En av dessa akter var Groningen-baserade Noisia. Precis som Pendulum kunde de, när de skrev kontrakt med Subtitles Music, knappast föreställa sig att de skulle bli Drum & Bass-genrens obestridda spelvändare. Före samarbetet med Subtitles hade de redan släppt musik på Citrus Recordings, Shadow Law Recordings och Shogun Audio, medan ”Block Control” på Moving Shadow satte deras namn på världskartan.

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=R4_YaEQGo-4] Tillsammans med banbrytande släpp på skivbolag över hela Storbritannien startade de ett eget bolag, Vision Recordings [kuriosa: Vision är Noisia upp och ner]. De var kända för sin känsla för detaljer, och deras sound var en unik kombination av detaljerad programmering och lager på lager, ihop med kraftfulla trummor och drops. Noisias sound kunde vara snabbt, långsamt, aggressivt, avslappnat, hårt, själfullt, melodidrivet eller bass music – ibland allt i samma låt. De var en akt som skickats till Drum & Bass från framtiden. Deras produktioner inspirerade en hel generation producenter och gjorde Drum & Bass-soundet mer tekniskt än någonsin. Framgångarna med Vision Recordings ledde till ytterligare två bolag: Invisible Recordings, med fokus på konventionell Drum & Bass, och Division Recordings, där genrens experimentella sida utforskades.

På Vision Recordings släpptes också Noisias två genreöverskridande album ”Split The Atom” och ”Outer Edges”, med musik från alla delar av den elektroniska musiken som de kunde rymma.

De kritiserades för att deras album inte var tillräckligt Drum & Bass-iga, men de som hånade dem hade inte läst Noisia-manualen. Trion var okonventionell redan från sitt första släpp, och även om de hade låsts in och tvingats göra ett Drum & Bass-album i 4/4-takt hade de hellre suttit kvar i fängelset. Experimentlusta låg i deras DNA, och de drog sig aldrig för att servera det de själva ville.

Så småningom minskade deras skoningslösa utgivningstakt på grund av det intensiva fokuset på skivbolagen och deras radioshow. Men det hindrade dem inte från att då och då släppa en banger som var revolutionerande i sin egen rätt. Bland dessa släpp fanns ”Dustup”, ”Dead Limit”, ”The Hole Pt.1”, ”Feed The Machine” med Black Sun Empire och den nyligen släppta, hjärnskrynklade låten med Skrillex.

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=U41bONK2V-U]

I september 2019 meddelade de att de skulle tacka för sig efter en serie spelningar 2020. Men med tanke på omständigheterna är vi inte säkra på att vi kommer att kunna ge dem det avsked de förtjänar. En sak är säker: deras avtryck på Drum & Bass kommer att leva vidare tills genren själv går i graven.

Drum & Bass är välsignad med artister som präglat en hel generation, och Chase & Status hör till den kategorin. Saul Milton (Chase) och Will Kennard (Status) träffades på college tack vare sitt gemensamma musikintresse. Efter att ha experimenterat med en rad olika sound bestämde de sig för en offensiv i full fart, med otaliga hits som remixen för Future Cut och Breakbeat Kaos-hiten ”Duppy Man”, innan de på något sätt lyckades klämma in ett album i sitt fullspäckade schema 2008. ”More Than A Lot” kom med obevekligt tempo och förde in Storbritanniens urbana liv i musiken. På vägen blåste albumet bort de brittiska listorna med låtar som ”Pieces” med Plan B, ”Against All Odds” med Kano och ”Eastern Jam”, som Snoop Dogg också använde 2009 under titeln ”Snoop Dogg. Millionaire”.

Det var tidigt 2011 när Chase & Status släppte ”No More Idols”, efter att ha säkrat ett managementavtal med Jay-Z:s Roc Nation och producerat Rihannas album ”Rated R” från 2009. Deras tidigare fullängdare hade lagt grunden för framtida produktioner, men ”No More Idols” förändrade precis allt – bokstavligen. Med några av Storbritanniens främsta namn, som Tinie Tempah, Dizzee Rascal, Clare Maguire, Tempa T och White Lies, revolutionerade albumet bass music som helhet.

2011 hade duon sålt över en miljon singlar i Storbritannien och blivit landets största band. Albumet låg kvar på UK Top 40 i 35 veckor och uppnådde dubbel platinastatus. De två följande albumen hade samma genomslag, men ”RTRN II JUNGLE” såg till att de förblev trogna sina rötter genom att balansera den råa, robusta reggaen med deras knivskarpa produktionsteknik. De gjorde till och med en kort dokumentär om sina erfarenheter när de skrev albumet.

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=YXxtY0ZMvlE] Deras betydelse för Drum & Bass behöver knappast förklaras, men sammanfattningsvis är det rättvist att kalla dem Storbritanniens mest spännande producenter i dag.

Tillsammans med den banbrytande musiken kom också DJ-färdigheter. Mot slutet av 2000-talet och början av det följande årtiondet behövde producenter vara lika bra bakom skivspelarna, eftersom spelningar hade blivit en viktig inkomstkälla och det inte längre räckte att bara göra bra musik. För att underlätta den utvecklingen klev den Londonbaserade klubben Fabric in. Fabric startade sin verksamhet 1999 och gav DJ:er utrymme att komma och spela sin musik utan hämningar, vilket resulterade i några av de fetaste artistuppställningarna inom bass music. Fabric vigde särskilt fredagarna åt Drum & Bass, och de kvällarna blev startskottet för flera DJ-karriärer på scenen.

Förutom Roxy och XOYO, som höll storskaliga residens och gjorde succé på sina egna meriter, gav Fabric underground-Drum & Bass en plattform att växa på. Sedan starten hade klubben sett några av scenens största namn DJ:a på toppen av sin förmåga, och i början av 2010 hade Fabric etablerat sig som Drum & Bass moderskepp. Tyvärr ledde en granskning av två drogrelaterade incidenter på klubben i september 2016 till att Fabrics tillstånd drogs in, och det meddelades att lokalen skulle stängas permanent. Men DJ:er, musiker, klubb besökare och politiker organiserade en kampanj där även Londons borgmästare engagerade sig och talade för Fabric. Till slut öppnade Fabric igen 2017 och återupptog verksamheten. Kampanjen blev ett bevis på klubbens betydelse för Drum & Bass och Londons nattliv i stort.

2011 TILL 2015, DUBSTEP OCH EXPERIMENTENS PERIOD

Efter att ha klivit in i årtiondet med vetskap om vad scenen hade upplevt under de senaste tio åren var det nästan självklart att mer var på väg. Som väntat frågade lyssnarna, och artisterna levererade. Två män som stod längst fram i utvecklingen var dBridge och Alix Perez.

dBridge kallades berömt ”The Thinker” inom Drum & Bass på grund av sin omfattande kunskap om och erfarenhet av syntar. Från det ruffiga materialet med Renegade Hardware, via engagemanget i D&B-supergruppen Bad Company UK och vidare som Instra:mental genom sitt bolag Exit Records, hade dBridge samlat expertis från tre tydliga kapitel i livet som producent och DJ. När han tog med sig Instra:mentals musikaliska uttryck till Drum & Bass drev han fram en syntbaserad revolution genom att sakta ner tempot och föra in element från Electronica. Vid en första lyssning på Instra:mental kan det kännas som Electronica, men när man bryter ner musiken inser man att det är dBridges intelligens som färdats mellan stilar och genrer för att skapa något djärvt och unikt. Hans sound utvecklades och spreds över Europa och Nordamerika, där det hyllades av bland andra Kabuki, Machinedrum, Fracture och Kid Drama.

En artist som tydligt förkroppsligade dBridges stil var den belgiske storstjärnan Alix Perez. Ända från början spelade Perez i en egen liga. Efter att ha inlett sin bana som DJ och producent samarbetade han snart med artister som Jenna G, Redeyes, Sabre, MC Fats och Spectrasoul. Redan efter sina första produktioner betraktades Alix Perez som en av Drum & Bass bästa producenter – men han skrev egentligen aldrig Drum & Bass. Förvirrande, eller hur? Perez var en mästare på varierade stilar och förde obehindrat in dem alla i sin musik. Allt började med det berömda albumet ”1984” på Shogun, ett banbrytande skyltfönster för belgaren. Albumet hade allt: Liquid-låtar, tajta och grusiga rollers, en touch av Hip-Hop och den Drum & Bass-stil han själv gått i bräschen för – Halftime Drum & Bass.

Genom att förena experimentell Hip Hop, Electronica, Funk och Soul förde han världen till Drum & Bass, och sedan dess förändrades genrens sound igen. Artister som Camo & Krooked, Delta Heavy och Mr. Carmack började dyka djupt i uttrycket, men de som tog det vidare tillsammans med Alix Perez var Ivy Lab. Tack vare Kasras vilja att ge experimenten utrymme på sitt bolag började trion Stray, Halogenix och Sabre servera sin egen tolkning av Halftime Drum & Bass. Deras klubbkväll 20/20, som exploderade i London, blev ett pilotprojekt för idén och inledde därefter korsbefruktningen mellan Drum & Bass och nästa era.

[youtube https://www.youtube.com/watch?v=3YY84FHcJ9E]

dBridge sa berömt: ”Att Drum & Bass är inne på sitt tredje årtionde visar att genren inte är på väg någonstans. Den är tillräckligt stor för att popakter ska välja den som karriär, samtidigt som den fortfarande är tillräckligt underground för experiment. Länge lånade Drum & Bass från andra genrer, men i dag kan man se hur rollerna vänds – genren påverkar stilar som house och techno. Den är en integrerad del av dansmusiken som helhet. Det är där den förtjänar att vara.”.

Drum & Bass växte långsamt fram ur den engelska ravemusiken i början av 90-talet och ägnade två årtionden åt att utvecklas, hackas sönder och förändras. Till slut blev genren, under sitt tredje årtionde, en av de mest energiska – senare kallad ”innovatörernas” genre. För att citera den berömde Kevin Shields: ”Jag älskar när saker böjs ur form. Det är därför jag älskar drum and bass-musik.”