Aiwaska om musikalsk alkymi, ny musikk og kunstens kontemplasjon

Den GRAMMY-nominerte produsenten utforsker bildet av brasiliansk karneval i sin nyeste singel med Milletrax, mens han reflekterer over reisen siden sitt andre LP-album ‘Truth & Love’, utforskningen av kreativitet med andre artister, sin flere tiår lange karriere og mer.

Mysteriet og anonymiteten rundt Aiwaska hindret ikke den verdenserfarne DJ-en og produsenten i å ta en samtale med oss om karrierens utvikling. Selv om han har blomstret i scenen i over tretti år, tok han på seg masken i 2026 for å vie seg til musikalske prosjekter og sosiale initiativer. Med to LP-album på merittlisten, i tillegg til en lang rekke EP-er og singler som har vunnet hjertene til både fans og tungvektere innen EDM, føyer Aiwaska stadig nye kapitler til sitt voksende repertoar.

Hans nyeste utgivelse er ‘Nena’ med Milletrax, ute nå på Junior Jacks plateselskap Adesso Music. Det er en dempet blanding av latin-instrumentering og rullende perkusjon, løftet av vokalsnutter som signaliserer en atmosfære av solfylte grooves. Singelen kommer etter hans kritikerroste andre LP, ‘Truth & Love’, som har blitt spilt i settene til blant andre Acid Pauli, Adriatique, Vintage Culture, Paco Osuna, Claptone og flere.

Aiwaska har hatt en svært produktiv periode i det siste, og vi fikk anledning til å snakke med ham om musikalsk alkymi med samarbeidspartnere, jakten på indre dybde blant utallige trender og forandringer i musikken, kommende samarbeid med Tiger Stripes, Akira Arasawa og Shapov, videreutviklingen av Aiwaska Planet og mye mer!

Gratulerer med den kommende singelen ‘Nena’ med Milletrax. Hva kan du fortelle oss om prosessen bak låten?

AIWASKA: For meg handler spørsmålet om å skape dette sporet til syvende og sist om selve musikkens natur. Jeg har blitt stadig mer overbevist om at musikk ikke oppstår i komposisjonsøyeblikket; den finnes allerede i en dypere virkelighetsorden, og komponisten trer ganske enkelt inn i en indre korrespondanse med denne ordenen. Vi skapte ikke Nena så mye som vi forsøkte å oppdage en form som allerede var til stede i lydens usynlige arkitektur.

Det som interesserte oss, var foreningen av elektronisk musikk og liveinstrumenter – ikke som et teknisk eksperiment, men som møtet mellom to prinsipper. Elektronisk lyd bærer kvaliteten av krystallisert tid, mens liveinstrumentet bærer det organiske livets åndedrag. Møtet deres minner om foreningen av stein og lys, materie og rytme, lov og frihet.

Bildet av det brasilianske karnevalet var aldri et dekorativt tema for oss; det var symbolet på et urgammelt mysterium. Karnevalet er øyeblikket der verdens velkjente struktur oppløses, slik at en dypere orden kan tre frem. Det som utad fremstår som galskap, kan innad være frigjøringen av livskrefter. Vi ønsket å fremkalle nettopp denne tilstanden, der glede slutter å være bare en følelse og blir en kosmisk impuls som kan bryte ned de indre murene som begrenser mennesket.

Jeg har alltid oppfattet musikk som konstruksjonen av et usynlig tempel. Hvert spor er en stein som må formes, renses for det tilfeldige og plasseres på sin rette plass i verkets hellige geometri. I den forstand er Nena ikke en fortelling om feiring; det er en utforskning av hvordan rytme kan vekke minnet om en opprinnelig helhet i et menneske.

Dette er deres andre samarbeid med Milletrax. Var opplevelsen annerledes da dere satte sammen de to sporene?

AIWASKA: For å være presis er dette faktisk vårt tredje samarbeid, og flere utgivelser er fortsatt på vei. Men selve antallet er lite viktig sammenlignet med samarbeidets prinsipp. Et ekte samarbeid er ikke summen av to opphavspersoner; det er fremveksten av et tredje rom der begge deltakerne slutter å tilhøre bare seg selv.

Milletrax og jeg har vært nære venner i mange år, og det er nettopp dette vennskapet som har skapt en sjelden tillit til det ukjente mellom oss. Jeg tiltrekkes av uvanlige liveinstrumenter, uventede tonale vendinger og lydelementer som ennå ikke har funnet veien inn i musikkens konvensjonelle vokabular. Milletrax har på sin side en dyp forståelse av form, struktur og den tette, levende tilstedeværelsen i analog lyd. Om man skulle uttrykke det med de gamle byggmesternes språk, leter den ene av oss etter steinen, mens den andre forstår buens lov.

Hvert av sporene våre skiller seg fra det forrige fordi vi nekter å gjenta en formel vi har oppdaget. Gjentakelse kan skape håndverk, men den fører ikke til innvielse. Vi går bevisst inn i et område der ingen utgang kan garanteres. Det er nettopp der levende musikk blir til.

Det viktigste for meg er at arbeidet vårt minner om en alkymistisk prosess. Utgangsmaterialet er alltid ufullkomment, men gjennom langvarig samspill, tvil, oppløsning og gjenoppbygging begynner det gradvis å avsløre sin egen indre form. I denne forstand ligner musikk på å forme den rå steinen: Kunstnerens oppgave er ikke å påtvinge materien sin vilje, men å frigjøre arkitekturen som er skjult i den.

Derfor blir hvert samarbeid mer enn en ny komposisjon; det blir enda et trinn i et indre konstruksjonsarbeid. Og kanskje er det nettopp det som gjør prosessen så fascinerende: Vi vet aldri hvilken dør som åpnes av den neste steinen som legges i fundamentet til tempelet som ennå ikke er bygget.

‘Nena’ kommer etter utgivelsen av ditt andre LP-album, ‘Truth & Love’. Hvordan har mottakelsen av albumet vært blant fansen og publikum etter nesten en måned?

AIWASKA: Jeg oppfatter ikke et album som en samling spor, men som en levende organisme. Hver komposisjon har sitt eget formål, sin egen rytme og sin egen åndelige funksjon. Det viktigste for meg var å se at disse stykkene ikke bare fant lyttere; de fant mennesker som de gikk inn i en form for indre resonans med.

På dette albumet eksisterer ulike krefter side om side: electro, østlige melodier, klubborienterte komposisjoner og eksperimentelle former. Men mangfoldet av sjangre var aldri målet. Tvert imot var de ulike fasetter av én og samme søken – søken etter sannhet og kjærlighet som to grunnleggende bevissthetsprinsipper. Sannhet uten kjærlighet blir kald geometri, mens kjærlighet uten sannhet løses opp i formløshet. Musikk blir født i punktet der disse to prinsippene møtes.

Det var svært oppmuntrende å se at flere spor fikk et særlig sterkt uttrykk i settene til Acid Pauli, Paco Osuna, Claptone, Adriatique, Vintage Culture, Sasha Carassi, Fideles, Joris Voorn, Joyce Muniz, Samantha Loveridge og mange andre artister. De østlig-inspirerte komposisjonene traff godt på TikTok og Instagram og genererte over fem millioner visninger. Men enda viktigere var det å oppleve øyeblikket da musikken begynte å leve sitt eget liv.

Den mest uventede reisen var electro-sporet vi skapte sammen med Milletrax. Den uvanlige strukturen, bruken av stillhet og vokalpreget forvandlet det til en slags skjult sluttstein i albumet. Noen ganger blir arbeidet som fremstår som den største risikoen, nettopp steinen som fullfører buen. Dette sporet fant gjenklang hos mennesker på helt forskjellige dansegulv og i ulike kulturelle landskap fordi det ikke henvender seg til smak, men til et dypere rytmeminne som eksisterer under selve kulturen.

Hva kan du fortelle oss om skapelsen og produksjonen av ‘Truth & Love’?

AIWASKA: Å skape et album har alltid føltes som å bygge en katedral. Et enkelt spor kan være en vakker søyle eller et glassmaleri, men det er først helheten som åpenbarer arkitektens visjon. Et album krever en annen bevissthetstilstand fordi det ikke bygges rundt ett enkelt inntrykk; det bygges rundt en indre reise.

For meg var Truth & Love et forsøk på å skape et innvielsesrom. Hver komposisjon skulle bli ikke en episode, men et skritt på en sti. Lytteren beveger seg gjennom ulike tilstander – tvil, spenning, forløsning, stillhet, ekstase – og begynner gradvis å høre ikke bare musikken, men også noe i seg selv.

Derfor var det avgjørende for meg å samle ulike sjangre og ulike musikere. Distinkte musikalske språk er som forskjellige steiner i det samme tempelet. Målet er ikke at de skal være identiske, men at de skal tjene én proporsjon, én underliggende harmoni.

At albumet gis ut på mitt eget plateselskap, ga meg en særegen form for frihet. Når en artist ikke lenger styres av ytre forventninger, kan han følge verkets egen indre lov. Dette er grunnleggende for meg. Kunst bør ikke styres av markedet, men av det de gamle mestrene kalte mål og tall. Det er gjennom mål og tall at sann form oppstår.

Jeg er overbevist om at et ekte kunstverk begynner å tre frem når opphavspersonen slutter å være dets eier og blir dets tjener. Albumet tilhører ikke meg; jeg deltok bare i prosessen der det ble åpenbart. Og hvis det har en form for helhet, skyldes det ikke min vilje, men den usynlige harmonien som alltid går forut for menneskelig skapelse.

Hvordan var det å samarbeide med Prana Flow, G.Zamora og Thomas Gandey på albumet?

AIWASKA: Jeg oppfatter ikke samarbeid som en enkel kombinasjon av profesjonelle ferdigheter. Et ekte samarbeid oppstår først når flere mennesker blir deltakere i et felles indre arbeid. I gamle tradisjoner var verkstedet ikke bare et sted der gjenstander ble skapt; det var et sted der skaperen selv ble forvandlet gjennom prosessen. Musikk viderefører dette gamle prinsippet.

Prana Flow, G. Zamora og Thomas Gandey er ikke bare musikere; de er mennesker som har mot til å tre inn i det ukjentes rike. Det som knytter oss sammen, er ikke en bestemt stil, men en felles forståelse av kreativitet som en form for utforskning av bevisstheten. Vi brakte hver vårt språk inn i prosessen, men målet var ikke å bevare adskiltheten vår; det var å oppdage en høyere orden der individuelle stemmer blir instrumenter i en større komposisjon.

Jeg tiltrekkes alltid av å arbeide med mennesker som ikke er redde for å stille spørsmål ved og oppløse sine egne etablerte former. For det er først gjennom ødeleggelsen av det som har blitt fullendt, at noe uferdig kan tre frem. Og det er nettopp i det uferdige at muligheten for åpenbaring finnes.

Hva lærte du av samarbeidene som du tar med deg videre i fremtidige prosjekter?

AIWASKA: Jeg lærte at den største illusjonen en kunstner kan ha, er troen på at han allerede kjenner grensene for sitt eget språk. Hver gang vi krysser grensen for det kjente, møter vi ikke tomhet; vi trer inn i et nytt eksistensfelt.

Jeg tror stadig sterkere på at den kreative flyten ikke kan kontrolleres i ordets vanlige forstand. Den kan bare gjøres mulig. Akkurat som en arkitekt ikke skaper tyngdeloven, men bygger i harmoni med den, skaper ikke kunstneren inspirasjonen selv; han konstruerer snarere en indre arkitektur som er i stand til å ta imot den.

Det er nettopp derfor reisen til sporet “Love & Truth” var så dyptgripende for meg. Opprinnelig så jeg det for meg som en kontemplativ introduksjon – nesten som en terskel lytteren skulle gå gjennom for å tre inn i albumets indre verden. Men underveis forvandlet det seg til en kraftfull dansegulvskomposisjon. Det ble en leksjon i ydmykhet. Verket viste at det hadde sin egen retning, uavhengig av min opprinnelige intensjon.

Noen ganger bærer et frø som vi oppfatter som en enkel prydblomst, i seg potensialet til å bli et tre som kan forvandle et helt landskap. Kunstnerens rolle er ikke å påtvinge skapelsen en forhåndsbestemt form, men å ha mot til å la den skjulte muligheten tre frem.

Hva er det som gjør et samarbeid virkelig fascinerende for deg?

AIWASKA: For meg blir et samarbeid virkelig levende først når det er knyttet til en felles søken etter sannhet. Når mennesker forener seg utelukkende for å oppnå et resultat, skaper de en struktur. Men når de forener seg i oppdagelsens ånd, skaper de en organisme.

Jeg tiltrekkes av musikere som ikke er bundet av en tilknytning til sitt eget ego. Egoet bygger naturlig nok murer, mens kunsten krever bygging av broer. Et ekte samarbeid minner om skulptørens gamle arbeid, der hver person former sin egen stein, men ingen gjør krav på selve skulpturen.

Det er i dette øyeblikket det jeg kaller musikalsk alkymi, begynner å tre frem. Det er en tilstand der man ikke lenger kan avgjøre hvem den opprinnelige ideen tilhørte, fordi ideen selv har overskredet individet og blitt en del av rommet mellom mennesker. Da slutter musikken å være bare et uttrykk for personlighet og blir en manifestasjon av en større lov – et prinsipp som åpenbarer seg som noe mektigere enn individets vilje.

Sammenlignet med den kreative prosessen bak 2025-utgivelsen ‘Flora Fauna’ – var tilnærmingen annerledes da du laget ‘Truth & Love’?

AIWASKA: Jeg liker ikke å sammenligne kunstverk, fordi hver skapelse hører til et bestemt stadium i en indre biografi. Vi tror ofte at skaperen forblir den samme personen gjennom hele reisen, men det er en illusjon. Bevisstheten er i en konstant prosess av å dø og bli født på nytt.

Det finnes et gammelt bilde av den ubearbeidede steinen og den fullendte steinen. De er ikke to separate objekter, men to tilstander av det samme vesenet. Den samme forvandlingen finner sted i mennesket. Hvert fullførte album tar én eksistensform fra kunstneren og krever at en annen trer frem.

Derfor er “Flora Fauna” og “Truth & Love” ikke bare påfølgende kapitler i en fortelling; de er to forskjellige innvielser. Det ene albumet er en dialog med naturen som en levende organisme i verden, mens det andre utforsker den indre polariteten mellom sannhet og kjærlighet som grunnleggende prinsipper for åndelig utvikling.

Jeg mener at en kunstner aldri bør forsøke å gjenta seg selv. Gjentakelse styrker personligheten, men svekker ånden. Kunst må forbli en forvandlingens vei, ikke bare en nedtegnelse av en biografi.

I løpet av din lange karriere på tre tiår i musikkbransjen – hvilke trender eller utviklingstrekk har moret deg mest?

AIWASKA: I løpet av tretti år har jeg vært vitne til utallige forandringer: teknologiens utvikling, bransjens skiftende struktur, den stadig raskere spredningen av musikk og måtene mennesker opplever den på. Men jo mer den ytre verden har forandret seg, desto tydeligere har én sannhet vist seg: Mennesker leter til syvende og sist ikke etter lyd; de leter etter mening.

Musikalske trender i seg selv overrasker meg ikke. Det som fascinerer meg, er hvor raskt sivilisasjonen begynner å tilbe instrumentene sine og glemmer formålet deres. Teknologi er en storslått hammer, men hammeren vet ingenting om tempelet den skal bidra til å bygge.

I dag er ledestjernen min bemerkelsesverdig enkel: å skape musikk på en måte som hjelper mennesker med å huske sin egen indre dybde. Hvis et verk ikke utvider bevisstheten, forblir det bare underholdning. Underholdning kan gi glede, men den forvandler ikke det indre menneskets arkitektur.

Jeg mener at ekte kunst må gjenopprette menneskehetens evne til kontemplasjon. For det er gjennom kontemplasjon ansvar blir født, og uten ansvar kan ingen meningsfull fremtid bygges.

Hva kan vi forvente fra deg de kommende månedene?

AIWASKA: På overflaten blir det nye utgivelser og nye prosjekter, men innad oppfatter jeg denne neste perioden som en fortsettelse av én større vei.

Det forberedes samarbeid med Tiger Stripes, en EP med den japanske musikeren Akira Arasawa er endelig ferdigstilt, inkludert en kraftfull remix fra Alican, og til høsten kommer et nytt samarbeid med Shapov. Hvert av disse prosjektene har sin egen soniske identitet, men de forenes av én felles intensjon – utforskningen av nye former for musikalsk bevissthet.

En særlig meningsfull retning for meg er den videre utviklingen av Aiwaska Planet. Vi skaper for tiden en ny duft, og mange blir overrasket over at musikk og duft eksisterer i det samme kunstneriske universet. I gamle mysterietradisjoner ble imidlertid lyd, duft, lys og rom aldri oppfattet som separate elementer. De ble ansett som deler av én samlet persepsjonsarkitektur.

Derfor bruker jeg spesialkomponerte aromatiske komposisjoner under opptredenene mine. Duft har evnen til å vekke lag av minner som forblir utilgjengelige for intellektet. Den blir en usynlig dimensjon ved musikkopplevelsen.

Den nye duften skal vies verdens store arkitekter. For meg representerer dette bildet det evige skapelsesprinsippet som kaos gradvis blir til kosmos gjennom. Hvert menneske bærer bildet av en indre arkitekt i seg. Men denne arkitekten begynner først å tale når et menneske slutter å bygge bare den ytre verden og begynner det dypere arbeidet med å konstruere seg selv.

Vi videreutvikler også aktivt den digitale visualiseringen av universet vårt, for å åpenbare prosjektets filosofi på et dypere plan og rette oppmerksomheten mot vårt viktigste oppdrag – å støtte miljøet og beskytte ville dyr.

Jeg mener at fremtidens kunst ikke bare må være estetisk, men også etisk. Den må skape former som kan lege splittelsen mellom menneskeheten, naturen og tilværelsens åndelige grunnlag. Hvis musikk ikke blir en kjærlighetshandling, forblir den bare lyd. Men når den blir en kjærlighetshandling, forvandles den til konstruksjonen av et usynlig bilde – bildet menneskeheten har bygget på gjennom alle tider.

Følg med på Instagram | Facebook | X for mer fra TFword

Du vil kanskje også like:

Bak kulissene til Jack Marlow’s sjangeroverskridende crossover

LEGION forteller om reisen bak ‘Wakefield Dub’

Inne i maskineriet bak Franz Scala’s retrofuturistiske groove