Aiwaska om musikalisk alkemi, ny musik och konsten att begrunda

Den GRAMMY-nominerade producenten berättar om att måla bilden av brasiliansk karneval i sin senaste singel med Milletrax, samtidigt som han reflekterar över resan sedan sitt andra album ‘Truth & Love’, utforskandet av kreativitet med andra artister, sin decennielånga karriär och mer.

Aiwaskas mystik och anonymitet hindrade inte den världsvane veteranen till DJ och producent från att ge sig in i ett samtal med oss om karriärens utveckling. Han har varit framgångsrik på scenen i över trettio år, men tog på sig masken 2026 för att ägna sig åt sina musikaliska projekt och sociala initiativ. Med två album i katalogen och en lång rad EP:s och singlar som vunnit både fansens och EDM-världens tungviktare hjärtan fortsätter Aiwaska att bygga ut sin ständigt växande repertoar.

Hans senaste projekt är ‘Nena’ med Milletrax, som nu finns ute via Junior Jacks skivbolag Adesso Music. Det är en mjuk blandning av latinska instrument och rullande percussion, svept i vokalsamplingar som signalerar en atmosfär av solvarma grooves. Singeln följer på hans hyllade andra album, ‘Truth & Love’, som har letat sig in i seten hos bland andra Acid Pauli, Adriatique, Vintage Culture, Paco Osuna och Claptone.

Aiwaska har haft ett intensivt momentum på sistone, och vi fick chansen att prata om musikalisk alkemi med samarbetspartners, sökandet efter ett inre djup bland otaliga trender och musikens förändring, kommande samarbeten med Tiger Stripes, Akira Arasawa och Shapov, den fortsatta utvecklingen av Aiwaska Planet och mycket mer!

Grattis till den kommande singeln ‘Nena’ med Milletrax. Vad kan du berätta om processen bakom låten?

AIWASKA: För mig är frågan om hur man skapar det här spåret i slutändan en fråga om musikens själva natur. Jag har blivit alltmer övertygad om att musik inte uppstår i kompositionsögonblicket; den finns redan inom en djupare verklighetsordning, och kompositören träder bara in i en viss inre överensstämmelse med den ordningen. Vi skapade inte så mycket Nena som att vi försökte upptäcka en form som redan fanns i ljudets osynliga arkitektur.

Det som intresserade oss var föreningen mellan elektronisk musik och liveinstrument, inte som ett tekniskt experiment utan som mötet mellan två principer. Elektroniskt ljud bär på kristalliserad tid, medan liveinstrumentet bär det organiska livets andetag. Deras möte liknar föreningen mellan sten och ljus, materia och rytm, lag och frihet.

Bilden av den brasilianska karnevalen var aldrig ett dekorativt tema för oss; den var en symbol för ett uråldrigt mysterium. Karnevalen är ögonblicket då världens välbekanta struktur löses upp så att en djupare ordning kan träda fram. Det som utåt ser ut som vansinne kan inåt vara en frigörelse av livskrafterna. Vi ville framkalla just det tillstånd där glädjen upphör att bara vara en känsla och blir en kosmisk impuls, kapabel att bryta ner de inre murar som begränsar människan.

Jag har alltid uppfattat musik som byggandet av ett osynligt tempel. Varje spår är en sten som måste formas, renas från det tillfälliga och placeras på sin rätta plats i verkets heliga geometri. I den meningen är Nena inte en berättelse om firande; det är en undersökning av hur rytm kan väcka minnet av en ursprunglig helhet inom en människa.

Det här blir ert andra samarbete med Milletrax. Var upplevelsen annorlunda när ni satte ihop de olika spåren?

AIWASKA: För att vara exakt är det faktiskt vårt tredje samarbete, och flera släpp återstår. Men själva antalet är mindre viktigt än samarbetsprincipen. Ett verkligt samarbete är inte summan av två upphovspersoner; det är framväxten av ett tredje rum där båda deltagarna upphör att enbart tillhöra sig själva.

Milletrax och jag har varit nära vänner i många år, och det är just den vänskapen som har skapat en sällsynt tillit till det okända mellan oss. Jag dras till ovanliga liveinstrument, oväntade tonala nyanser och ljudinslag som ännu inte har blivit en del av musikens konventionella vokabulär. Milletrax har i sin tur en djup känsla för form, struktur och den täta, levande närvaron i analogt ljud. Om man skulle tala med de forntida byggarnas språk söker den ena av oss stenen, medan den andra förstår valvets lag.

Varje spår vi gör skiljer sig från det föregående eftersom vi vägrar upprepa en upptäckt formel. Upprepning kan skapa hantverksskicklighet, men den leder inte till invigning. Vi går medvetet in i ett område där inget resultat kan garanteras. Det är just där levande musik uppstår.

Det viktigaste för mig är att vårt arbete liknar en alkemisk process. Utgångsmaterialet är alltid ofullkomligt, men genom långvarigt samspel, tvivel, upplösning och återuppbyggnad börjar det gradvis avslöja sin egen inre form. I den meningen liknar musik formandet av den råa stenen: konstnärens uppgift är inte att påtvinga materien sin vilja, utan att frigöra den arkitektur som döljer sig i den.

Därför blir varje samarbete mer än en ny komposition; det blir ännu ett steg i ett inre byggnadsarbete. Och kanske är det just det som gör processen så fängslande: vi vet aldrig vilken dörr som öppnas av nästa sten som placeras i grunden till templet som ännu inte är byggt.

‘Nena’ kommer efter släppet av ditt andra album, ‘Truth & Love’. Hur har albumet tagits emot av fansen och publiken efter nästan en månad?

AIWASKA: Jag ser inte ett album som en samling spår, utan som en levande organism. Varje komposition har sitt eget syfte, sin egen rytm och sin egen andliga funktion. Det viktigaste för mig var att se att de här styckena inte bara hittade lyssnare; de hittade människor som gick in i en sorts inre resonans med dem.

På albumet samexisterar olika krafter: electro, österländska melodier, klubborienterade kompositioner och experimentella former. Men mångfalden av genrer var aldrig målet. Tvärtom var de olika aspekter av ett enda sökande – sökandet efter sanning och kärlek som medvetandets två grundläggande principer. Sanning utan kärlek blir kall geometri, medan kärlek utan sanning löses upp i formlöshet. Musik föds i den punkt där de här två principerna möts.

Det gjorde mig djupt uppmuntrad att se hur flera spår fick ett särskilt starkt uttryck i seten hos Acid Pauli, Paco Osuna, Claptone, Adriatique, Vintage Culture, Sasha Carassi, Fideles, Joris Voorn, Joyce Muniz, Samantha Loveridge och många andra artister. De österländskt inspirerade kompositionerna fick starkt genomslag på TikTok och Instagram och genererade över fem miljoner visningar. Men ännu viktigare var att få se ögonblicket då musiken började leva sitt eget liv.

Den mest oväntade resan var den för electrospåret som vi skapade tillsammans med Milletrax. Dess ovanliga struktur, användning av tystnad och vokala karaktär förvandlade det till en sorts dold slutsten i albumet. Ibland blir det verk som verkar innebära den största risken just den sten som fullbordar valvet. Spåret nådde människor på helt olika dansgolv och i skilda kulturella landskap eftersom det inte talar till smaken, utan till ett djupare rytmminne som finns under själva kulturen.

Vad kan du berätta om skapandet och produktionen av ‘Truth & Love’?

AIWASKA: Att skapa ett album har alltid känts som att bygga en katedral. Ett enskilt spår kan vara en vacker pelare eller ett glasmålat fönster, men det är först helheten som avslöjar arkitektens vision. Ett album kräver ett annat medvetandetillstånd eftersom det inte byggs kring ett enda intryck; det byggs kring en inre resa.

För mig var Truth & Love ett försök att skapa ett rum för invigning. Varje komposition skulle bli inte en episod, utan ett steg längs en väg. Lyssnaren rör sig genom olika tillstånd – tvivel, spänning, frigörelse, tystnad, extas – och börjar gradvis höra inte bara musiken, utan också något inom sig själv.

Därför var det avgörande för mig att föra samman olika genrer och olika musiker. Skilda musikaliska språk är som olika stenar i samma tempel. Deras syfte är inte att vara identiska, utan att tjäna en enda proportion, en enda underliggande harmoni.

Att albumet släpps på mitt eget skivbolag gav mig en särskild sorts frihet. När en artist inte längre styrs av yttre förväntningar kan han följa verkets egen inre lag. Det är grundläggande för mig. Konst bör inte styras av marknaden, utan av det som de gamla mästarna kallade mått och tal. Det är genom mått och tal som den sanna formen uppstår.

Jag är övertygad om att ett äkta konstverk börjar ta form när upphovspersonen upphör att vara dess ägare och blir dess tjänare. Albumet tillhör inte mig; jag deltog bara i processen där det uppenbarades. Och om det äger någon känsla av helhet beror det inte på min vilja, utan på den osynliga harmoni som alltid föregår mänskligt skapande.

Hur var det att samarbeta med Prana Flow, G.Zamora och Thomas Gandey på albumet?

AIWASKA: Jag ser inte samarbete som en enkel kombination av yrkeskunskaper. Ett verkligt samarbete uppstår först när flera individer blir deltagare i ett gemensamt inre arbete. I gamla traditioner var verkstaden inte bara en plats där föremål skapades; det var en plats där skaparen själv förvandlades genom processen. Musiken bevarar den här uråldriga principen.

Prana Flow, G. Zamora och Thomas Gandey är inte bara musiker; de är människor som har modet att träda in i det okändas rike. Det som förenar oss är inte en viss stil, utan en gemensam förståelse av kreativitet som en form av utforskande av medvetandet. Vi förde alla in vårt eget språk i processen, men syftet var inte att bevara vår åtskillnad, utan att upptäcka en högre ordning där individuella röster blir instrument i en större komposition.

Jag dras alltid till att arbeta med människor som inte är rädda för att ifrågasätta och upplösa sina egna etablerade former. För det är bara genom att förstöra det som blivit färdigt som något ofärdigt kan träda fram. Och det är just i det ofärdiga som möjligheten till uppenbarelse finns.

Vad lärde du dig av samarbetena som du tar med dig in i framtida projekt?

AIWASKA: Jag lärde mig att den största illusionen en konstnär kan bära på är tron att han redan känner gränserna för sitt eget språk. Varje gång vi korsar det välbekantas gräns möter vi inte tomhet; vi träder in i ett nytt existensfält.

Jag tror alltmer att det kreativa flödet inte kan kontrolleras i ordets vanliga bemärkelse. Det kan bara möjliggöras. Precis som en arkitekt inte skapar gravitationens lag utan bygger i harmoni med den, skapar konstnären inte inspirationen själv; i stället bygger han en inre arkitektur som kan ta emot den.

Det är precis därför resan för spåret “Love & Truth” var så djupgående för mig. Ursprungligen såg jag det som en kontemplativ introduktion – nästan som en tröskel genom vilken lyssnaren skulle träda in i albumets inre värld. Men under processen förvandlades det till en kraftfull dansgolvskomposition. Det blev en lektion i ödmjukhet. Verket visade att det hade en egen riktning bortom min ursprungliga avsikt.

Ibland bär ett frö som vi uppfattar som en enkel prydnadsblomma inom sig potentialen att bli ett träd som kan förändra ett helt landskap. Konstnärens roll är inte att påtvinga skapelsen en förutbestämd form, utan att ha modet att låta den dolda möjligheten uppenbara sig.

Vad är det som gör ett samarbete verkligt fascinerande för dig?

AIWASKA: För mig blir ett samarbete verkligt levande först när det är kopplat till ett gemensamt sökande efter sanning. När människor förenas enbart för resultatets skull skapar de en struktur. Men när de förenas i upptäckandets anda skapar de en organism.

Jag dras till musiker som inte är bundna av en anknytning till sitt eget ego. Egot bygger naturligt murar, medan konsten kräver att man bygger broar. Ett verkligt samarbete liknar skulptörens gamla arbete, där var och en formar sin egen sten, men ingen gör anspråk på själva skulpturen.

Det är i det här ögonblicket som det jag kallar musikalisk alkemi börjar träda fram. Det är ett tillstånd där man inte längre kan avgöra vem den ursprungliga idén tillhörde, eftersom idén har överskridit individen och blivit en del av rummet mellan människor. Då upphör musiken att bara vara ett uttryck för personligheten och blir en manifestation av en större lag – en princip som visar sig vara mäktigare än den individuella viljan.

Jämfört med din kreativa process för albumet ‘Flora Fauna’ från 2025, närmade du dig ‘Truth & Love’ på ett annat sätt?

AIWASKA: Jag tycker inte om att jämföra konstverk, eftersom varje skapelse hör till ett särskilt skede i en inre biografi. Vi tror ofta att skaparen förblir samma person genom hela resan, men det är en illusion. Medvetandet befinner sig i en ständig process av död och återfödelse.

Det finns en gammal bild av den obearbetade stenen och den fulländade stenen. De är inte två separata objekt, utan två tillstånd hos samma väsen. Samma förvandling äger rum i människan. Varje färdigt album tar en existensform från konstnären och kräver att en annan träder fram.

Därför är “Flora Fauna” och “Truth & Love” inte bara två på varandra följande kapitel i en berättelse; de är två olika invigningar. Det ena albumet är en dialog med naturen som en levande organism i världen, medan det andra utforskar den inre polariteten mellan sanning och kärlek som grundläggande principer för andlig utveckling.

Jag tror att en konstnär aldrig bör försöka upprepa sig själv. Upprepning stärker personligheten, men försvagar anden. Konsten måste förbli en väg av förvandling, inte bara ett dokument över en biografi.

Under din långa karriär på tre decennier i musikbranschen, vilka trender eller förändringar har roat dig mest?

AIWASKA: Under trettio år har jag bevittnat otaliga förändringar: teknikens utveckling, branschens förändrade struktur, den allt snabbare spridningen av musik och sätten människor upplever den på. Men ju mer den yttre världen har förändrats, desto tydligare har en sanning blivit: människor söker i slutändan inte ljud; de söker mening.

Musiktrenderna i sig överraskar mig inte. Det som fascinerar mig är hur snabbt civilisationen börjar dyrka sina verktyg och glömmer deras syfte. Tekniken är en magnifik hammare, men hammaren vet ingenting om templet den ska hjälpa till att bygga.

I dag är min vägledande princip anmärkningsvärt enkel: att skapa musik på ett sätt som hjälper människor att minnas sitt eget inre djup. Om ett verk inte vidgar medvetandet förblir det bara underhållning. Underhållning kan skänka njutning, men den förvandlar inte människans inre arkitektur.

Jag tror att sann konst måste återupprätta mänsklighetens förmåga till kontemplation. För det är genom kontemplation som ansvar föds, och utan ansvar kan ingen meningsfull framtid byggas.

Vad kan vi förvänta oss av dig under de kommande månaderna?

AIWASKA: På ytan blir det nya släpp och nya projekt, men inåt uppfattar jag den kommande perioden som en fortsättning på en större väg.

Samarbeten med Tiger Stripes förbereds, en EP med den japanska musikern Akira Arasawa är äntligen färdig, inklusive en kraftfull remix från Alican, och i höst kommer ett nytt samarbete med Shapov. Var och en av de här produktionerna har sin egen ljudidentitet, men de förenas av en gemensam avsikt – att utforska nya former av musikaliskt medvetande.

En särskilt meningsfull riktning för mig är den fortsatta utvecklingen av Aiwaska Planet. Just nu skapar vi en ny doft, och många blir förvånade över att musik och doft kan existera i samma konstnärliga universum. Men i gamla mysterietraditioner uppfattades ljud, doft, ljus och rum aldrig som separata element. De betraktades som delar av en enda enhetlig perceptionsarkitektur.

Det är därför jag använder specialkomponerade aromatiska kompositioner under mina framträdanden. Doft har förmågan att väcka minneslager som förblir otillgängliga för intellektet. Den blir en osynlig dimension av musikupplevelsen.

Den nya doften kommer att tillägnas världens stora arkitekter. För mig representerar den bilden skapandets eviga princip, genom vilken kaos gradvis blir kosmos. Varje människa bär bilden av en inre arkitekt inom sig. Men den arkitekten börjar tala först när en människa slutar bygga enbart den yttre världen och börjar med det djupare arbetet att bygga sig själv.

Vi utvecklar också aktivt den digitala visualiseringen av vårt universum, för att fördjupa förståelsen av projektets filosofi och rikta uppmärksamheten mot vårt grundläggande uppdrag – att stödja miljön och skydda vilda djur.

Jag tror att framtidens konst inte bara måste vara estetisk, utan också etisk. Den måste skapa former som kan läka separationen mellan mänskligheten, naturen och tillvarons andliga grund. Om musiken inte blir en kärlekshandling förblir den bara ljud. Men när den blir en kärlekshandling förvandlas den till byggandet av en osynlig bild – den bild som mänskligheten har byggt genom alla tider.

Följ Instagram | Facebook | X för att hålla dig uppdaterad om TFword

Du kanske också gillar:

Bakom kulisserna på Jack Marlow’s genreöverskridande crossover

LEGION berättar om resan bakom ‘Wakefield Dub’

Inblick i mekaniken bakom Franz Scala’s retrofuturistiska groove