Utforsker dualiteten i Mumbai-duoen Psycho Baiko

Etter deres siste utgivelse satte vi oss ned med duoen for å snakke om tilnærmingen deres til produksjon, motivene som former DJ-settene deres, og eventyrene deres innen audiovisuell eksperimentering.

Født ut av kaos og deretter skjerpet av bassen, er det noe interessant på gang i det soniske universet til Anay og Divya, sammen kjent som Psycho Baiko. Ved første øyekast kan du ta deg i å lure: “Hmm, Psycho Baiko?” Og det er nettopp der intrigen begynner. Under kaoset og uforutsigbarheten finnes det en metode; en nøye gjennomtenkt og systematisk arbeidsflyt som lar duoen bevege seg smidig mellom mørkere, bassdrevne lyder og varmere, groovebasert elektronisk musikk. De omfavner kontrasten, og dermed skaper de lyder som nekter å la seg plassere i én bestemt sjanger, stemning eller forventning.

Slik brygger det organiserte kaoset. A-siden er Anay, alias Psycho, som dykker dypt ned i jungle, drum & bass, breaks, dubstep, UK bass, neurofunk, rave og venstrefelts klubblyder, mens B-siden, Divya, alias Baiko, utforsker en varmere palett av globale grooves, verdensperkusjon, desert blues, downtempo, Afro house, disco og nostalgiske elektroniske lyder.

Denne dualiteten strekker seg også inn i tilnærmingen deres til produksjon. Debutsingelen deres innen DnB, ‘Half My Sky,’ kombinerer emosjonell vokal med et deilig stykke synkoperte trommer som viser en mykere og mer personlig side av duoen, utenfor dansegulvet. Låten lar følelser, melodi og atmosfære stå i sentrum, og viser duoens evne til å kanalisere den sjangerflytende tilnærmingen sin inn i noe dypt intimt. Psycho Baikos kreative visjon strekker seg også utover musikken. Med bakgrunn fra journalistikk, design og innovasjon innen livearrangementer har duoen utviklet et DIY-univers der lyd, visuelle uttrykk og publikumsinteraksjon møtes. Den audiovisuelle liveopplevelsen deres bruker spesialtilpasset, glitch-kodet programmering til å skape bevegelsesaktiverte visuelle uttrykk som reagerer direkte på publikums bevegelser, og gjør dansegulvet til en aktiv del av kunstverket.

Med en rekke ting på vei i løpet av de neste tolv månedene, er det mye som brygger i Psycho Baiko-leiren – fra ny musikk og videreutvikling av lydbildet til å rendyrke de særegne DJ-identitetene deres og utvide de audiovisuelle liveeksperimentene.

Med det i tankene satte vi oss ned med Anay og Divya for å snakke om den siste singelen deres, hvordan aliasene Psycho og Baiko ble til, tilnærmingen deres til produksjon, det organiserte kaoset som former DJ-settene deres, og den visuelle verdenen de bygger rundt musikken. Vi kommer også inn på de audiovisuelle liveeventyrene deres, ideene og teknologien som driver dem, og hvordan neste kapittel i Psycho Baiko ser ut.

For alle som oppdager Psycho Baiko for første gang: Hvordan vil dere beskrive prosjektet med egne ord?
PSYCHO BAIKO: Psycho Baiko er mindre et musikkprosjekt og mer en kreativ praksis bygget rundt det å stille spørsmål ved antakelser. I bunn og grunn er det en utforskning av musikk, teknologi, historiefortelling og kultur, men også et stille opprør mot mange av ideene om kreativitet som vi har arvet.

Som uavhengige artister innså vi raskt hvor dyrt det kan bli å lage elektronisk musikk. Profesjonelle CDJ-er, visuell programvare, fremføringsteknologi og produksjonsverktøy kan få den kreative verdenen til å virke tilgjengelig bare for dem som har ressursene. Vi ville ikke akseptere at det var den eneste veien. I stedet for hele tiden å spørre, “Hvilket utstyr må vi kjøpe nå?” begynte vi å spørre, “Hva kan vi bygge selv?”

Det spørsmålet ble gradvis grunnlaget for Psycho Baiko. I dag lager vi, ved siden av originalmusikk, nettleserbaserte kreative verktøy og interaktive visuelle uttrykk, eksperimenterer med nye fremføringsideer og lager til og med vårt eget merch for hånd. Ingenting av dette handler om å erstatte eksisterende teknologi – vi er takknemlige for de fantastiske verktøyene som allerede finnes. Det handler om å vise at kreativitet ikke trenger å begynne med dyrt utstyr. Hvis noen med en laptop, et webkamera og en idé føler seg inspirert til å skape på grunn av noe vi har bygget, har vi lykkes.

Men opprøret går utover teknologien. Jeg har alltid vært fascinert av kultur – gjennom musikk, dans, journalistikk, poesi og antropologi – og jeg har aldri vært komfortabel med ideen om at sjangre kommer med regelbøker. Hvis disco skal være lystig, hvorfor kan den ikke være melankolsk? Hvis housemusikk forventes å være blankpolert og euforisk, hvorfor kan den ikke være gotisk eller urovekkende? Hvorfor kan ikke drum & bass samtale med indiske minner, poesi eller folketradisjoner? For meg er sjangre levende kulturelle språk, ikke bokser vi skal holde oss innenfor.

Det finnes også et dypt personlig lag i Psycho Baiko. Jeg har alltid vært tiltrukket av mørkere soniske verdener – neurofunk, mørk dubstep, industrielle teksturer og metal – men disse rommene har tradisjonelt hatt relativt få kvinner i front. Kvinner oppmuntres ofte til å være velpolerte, behagelige, pene eller følelsesmessig tilbakeholdne. Psycho Baiko gjør motstand mot det. Jeg vil skape rom for at kvinner kan være høylytte, skarpe, introspektive, kaotiske, sårbare og sterke, og omfavne alle sider av seg selv uten å føle behov for å dempe det kunstneriske uttrykket sitt.

Til syvende og sist handler ikke Psycho Baiko om å bevise at vår måte er den riktige. Det handler om å oppmuntre til nysgjerrighet. Psycho Baiko finnes for å stille spørsmål ved reglene vi arver – om musikk, teknologi, kjønn og kreativitet – og deretter spørre om disse reglene i det hele tatt trenger å finnes.

Hvordan ble Psycho Baiko til, og hva var den opprinnelige visjonen da dere startet?
PSYCHO BAIKO: Når jeg ser tilbake, tror jeg ikke Psycho Baiko begynte med musikk. Det begynte med et spørsmål. For rundt ti år siden satt jeg ved Marine Drive og hørte på Ludovico Einaudi. Jeg husker at jeg ble fullstendig oppslukt av musikken og lurte på, “Hva om en dirigent kunne male lyd frem med hver eneste bevegelse av taktstokken? Hva om orkesteret ikke bare skapte musikk, men også visuelle uttrykk?” Jeg klarte ikke å slutte å tenke på det. Det var ikke bare en idé til en fremføring, men et spørsmål om hvordan ulike kunstformer kunne flyte over i hverandre.

Jeg visste at jeg ikke hadde de tekniske ferdighetene til å bygge noe slikt, så jeg begynte å lete etter noen som hadde dem. Det var slik jeg møtte Anay. Når jeg ser tilbake nå, føles det uunngåelig at vi fant hverandre, fordi vi begge utforsket kreativitet fra ulike retninger.

Den opprinnelige visjonen var aldri å bli DJ-er eller engang å bygge et “kreativt univers.” Vi ville ganske enkelt skape ærlig og følge nysgjerrigheten dit den ledet oss.

Selve navnet er ganske særegent. Hva er historien bak “Psycho Baiko,” og hva representerer det for dere i dag?
PSYCHO BAIKO: Det begynte som et kallenavn, hovedsakelig fordi jeg er utdannet psykolog og en fullstendig plage når det kommer til ideer.

Hjernen min har en vane med å skape forbindelser som sannsynligvis ikke burde finnes, og ADHD hjelper definitivt på det, så “Psycho Baiko” ble en kortform for den kaotiske nysgjerrigheten.

Dere kommer begge fra ulike kreative bakgrunner. Hvordan har erfaringene deres fra musikk, design, journalistikk, filmskaping og liveunderholdning formet identiteten til Psycho Baiko?
PSYCHO BAIKO: Jeg tror Psycho Baiko finnes fordi ingen av oss noen gang har sett kreativitet gjennom linsen til én enkelt disiplin. Jeg har alltid vært fascinert av mennesker, kultur og historiefortelling. Psykologistudier lærte meg å forstå menneskelig atferd og følelser. Å lære fiolin ga meg en dyp forståelse for orkestrering og musikalsk disiplin, mens dans lærte meg at musikk ikke bare er noe vi hører, men noe vi opplever fysisk. Journalistikk ga meg første rad til musikk og kultur, og lot meg dokumentere artister, bevegelser og fellesskap, mens arbeidet mitt innen liveunderholdning lærte meg hvordan publikum knytter seg følelsesmessig til delte opplevelser. Poesien lærte meg på sin side å finne mening i stillhet, metaforer og tilbakeholdenhet.

Anay er på sin side et av de sjeldne menneskene som naturlig beveger seg mellom kunst, teknologi og ingeniørfag uten å se noen grenser mellom dem. Han tegner, maler, spiller gitar, lager 3D-kunst, skriver kode, har studert filmskaping og lydteknikk, og har brukt årevis på å tenke over lyd, design og visuelle systemer. Han vokste opp i en arkitektfamilie, så det å bygge ting var nesten en livsstil. Instinktet hans er ikke bare å skape noe vakkert: Det er å forstå hvordan det fungerer, ta det fra hverandre og forestille seg hvordan det kunne fungert annerledes.

Vi utfordrer hverandre hele tiden. Jeg dytter ham mot følelser og narrativ; han dytter meg mot eksperimentering og oppfinnsomhet. Et sted i den samtalen finner Psycho Baiko identiteten sin. På mange måter er Psycho Baiko det som skjer når psykologi møter ingeniørkunst, poesi møter kode, kultur møter teknologi og historiefortelling møter lyd.

Den siste singelen deres, Half My Sky, føles som et viktig steg i utviklingen av Psycho Baiko. Hva skjedde kreativt da låten begynte å ta form?
PSYCHO BAIKO: Half My Sky ble til fordi Anay stilte meg et spørsmål jeg ikke klarte å slutte å tenke på.

Rundt oktober i fjor sa han: “Det er på tide at du begynner å lage originalmusikk.” Først ble jeg begeistret og begynte å tenke på ideer. Jeg tenkte på å lage en Drum & Bass-låt med Shinchan-stemmen min som sample. Jeg så for meg samarbeid mellom indiske klassiske musikere og DnB-artister, låter bygget rundt dansere, alle mulige slags konsepter. Det var interessante ideer, men ingen av dem føltes som om de måtte finnes.

I juni, etter min andre DJ-jobb på The Kibono Party, spurte han meg om noe som traff mye hardere: “Hvor lenge skal du fortsette å spille andres plater? Er det ikke noe du vil si med din egen stemme?” Jeg våknet neste morgen med et svar. Jeg sa til ham: “Jeg vil skrive en låt om hvor mye jeg savner søsteren min.”

Vi hadde bodd i ulike land i nesten tre år, og den følelsen hadde aldri egentlig forlatt meg. Det merkelige var at jeg aldri fullt ut hadde innrømmet det: ikke engang overfor meg selv, og absolutt ikke overfor henne. Jeg innså at det fantes følelser jeg ikke helt klarte å sette ord på i en samtale, men kanskje kunne jeg uttrykke dem gjennom musikk. Det var da Half My Sky virkelig begynte.

For meg har musikk alltid vært mer enn underholdning. Det er en måte å forstå følelser som ikke alltid har ord. Jeg ville at originalmusikken vår skulle komme fra et sted med fullstendig ærlighet, i stedet for å prøve å imponere noen eller jage et bestemt lydbilde. Hvis jeg skulle introdusere min egen kunstneriske stemme, ville jeg at den skulle begynne med noe som var følelsesmessig sant.

Jeg visste allerede at det skulle bli Drum & Bass. En av grunnene til at jeg elsker sjangeren, er at den er følelsesmessig grenseløs. Folk forbinder den ofte med intensitet eller energi, men jeg har alltid følt at den kan romme ømhet, lengsel, sorg, håp og kjærlighet like kraftfullt. Den ble det perfekte lerretet for historien jeg ville fortelle.

Samtidig ville jeg trekke inn orkestrale teksturer som en stille hilsen til der min egen musikalske reise begynte: med fiolinen og orkestermusikkens verden. På mange måter ble Half My Sky et møtepunkt mellom mine tidligste musikalske minner og den elektroniske musikken jeg har forelsket meg i gjennom årene.

Når jeg ser tilbake, tror jeg egentlig ikke Half My Sky er en låt om avstand. Det er en låt om kjærlighet som finnes selv når livet trekker mennesker i ulike retninger. Og jeg tror det er derfor den treffer folk. Nesten alle har noen som har blitt en del av himmelen deres, selv om de ikke lenger står ved siden av dem.

Kan dere ta oss gjennom hvordan Half My Sky ble til i studioet – fra den første gnisten av en idé til den ferdige innspillingen?
PSYCHO BAIKO: Da vi visste hva låten måtte si, ble studioet et rom for å oversette følelser til lyd.

Prosessen vår er svært samarbeidsbasert, men vi bringer naturlig ulike ting til bordet. Jeg begynner vanligvis med låtens følelsesmessige univers. Jeg nynner melodier, synger fragmenter av vokallinjer, foreslår instrumentering, beskriver teksturer, samler referanser og snakker om følelsen jeg prøver å fremkalle. Noen ganger sier jeg noe helt abstrakt, som “Dette skal føles som smerten ved å savne noen.” Sånn fungerer hjernen min.
Anay begynner deretter å oversette ideene til lyd. Han bygger arrangementer, eksperimenterer med syntese og lyddesign, former den harmoniske strukturen og spør hele tiden hvordan vi kan gjøre følelsen mer håndgripelig. Prosessen er sjelden lineær: Vi sender ideer frem og tilbake og utfordrer hverandre helt til musikken føles følelsesmessig ærlig, snarere enn bare teknisk imponerende.
Vi var også svært bevisste på å ikke overprodusere låten. Hvert instrument måtte fortjene plassen sin.

Den visuelle verdenen rundt låten føles like viktig som selve musikken. Hvor tett ble lyd og bilde utviklet sammen?
PSYCHO BAIKO: Interessant nok var den ferdige musikkvideoen ikke planlagt i det hele tatt. Til å begynne med så vi for oss noe langt mer konvensjonelt. Vi snakket om å jobbe med dansere og spille inn en ordentlig musikkvideo, og Anay hadde noen egne visuelle konsepter som vi utforsket.

Så en dag, nesten ved en tilfeldighet, åpnet jeg de nettleserbaserte visuelle uttrykkene vi hadde bygget og begynte å danse til Half My Sky på rommet mitt. Jeg tok opp skjermen på laptopen, så gjennom opptaket, og noe falt på plass. Jeg innså at ingen koreograf eller skuespiller fysisk kunne uttrykke hva den låten betydde for meg på helt samme måte, fordi den kom fra et så personlig sted. Bevegelsene var ikke koreografert: Kroppen min reagerte ganske enkelt på noe jeg hadde skrevet.

Det var da vi bestemte oss for å holde det enkelt. I stedet for å produsere en større musikkvideo lot vi følelsene lede an. Det folk ser, er i bunn og grunn meg som samhandler med visuelle uttrykk vi hadde bygget selv, og på en eller annen måte føltes det langt mer ærlig enn noe av det vi opprinnelig hadde planlagt. Jeg tror det er noe vi har lært flere ganger mens vi har laget dette prosjektet: Noen ganger er ikke den mest autentiske løsningen den største. Det er den som føles mest ærlig.

Én ting som virkelig slo meg, er at Psycho Baiko har vokst til noe som er langt større enn et musikkprosjekt. Når innså dere at dere bygget et helt kreativt økosystem, i stedet for bare å gi ut låter?
PSYCHO BAIKO: Jeg tror ikke det var ett bestemt øyeblikk. Det skjedde så gradvis at vi nesten ikke la merke til det selv. Vi løste ett kreativt problem og endte, nesten instinktivt, opp med å skape noe annet. Vi skrev et musikkstykke, som fikk oss til å tenke på visuelle uttrykk. De visuelle uttrykkene fikk oss til å spørre om vi kunne bygge våre egne verktøy. Å bygge disse verktøyene fikk oss til å tenke nytt om fremføring. Fremføring førte til at vi begynte å lage merch for hånd. Ett spørsmål førte ganske enkelt til det neste. Når jeg ser tilbake, innser jeg at vi aldri egentlig var interessert i å bygge “innhold.” Vi bygget en måte å skape på. På et tidspunkt sluttet vi å spørre, “Hva er den neste utgivelsen?” og begynte å spørre, “Hva er den neste ideen som er verdt å utforske?” Det er en helt annen tankegang.
Økosystemet oppsto fordi nysgjerrigheten vår nektet å holde seg på ett sted. Jeg tror det også er derfor vi ikke ser på Psycho Baiko som en merkevare. Merkevarer spør vanligvis: “Hvordan holder vi oss konsekvente?” Vi pleier å spørre: “Hvordan holder vi oss nysgjerrige?”

De nettleserbaserte, interaktive visuelle uttrykkene deres er et glimrende eksempel på å gjøre teknologi tilgjengelig. Hvordan oppsto ideen, og hvordan har responsen vært fra folk som eksperimenterer med den?
PSYCHO BAIKO: Ideen kom faktisk fra dans, ikke teknologi. Vi har begge tilbrakt mange år på dansegulv, og noen av favorittminnene mine handler ikke om å se på DJ-er, men om å danse i timevis med fullstendig fremmede. Det er det elektronisk musikk alltid har handlet om for oss. DJ-en kan lede reisen, men det er menneskene på dansegulvet som virkelig gir den liv.

Som DJ henter jeg utrolig mye energi fra danserne. Jeg danser med dem, lever av bevegelsene deres, og jeg tror oppriktig at de er en av de mest oversette delene av den elektroniske musikkulturen. Vi ville hedre det. Så vi begynte å spørre oss selv: Hva om publikum ikke bare så på de visuelle uttrykkene? Hva om de ble de visuelle uttrykkene?

Slik ble det nettleserbaserte visuelle systemet født. I stedet for å behandle visuelle uttrykk som noe som projiseres bak DJ-en, ville vi at folk skulle samhandle direkte med dem. Alt du trenger, er en nettleser og et webkamera, og plutselig blir dine egne bevegelser en del av kunstverket.

På mange måter flytter det fokuset tilbake dit vi mener det alltid har hørt hjemme: til selve dansegulvet. Responsen har ærlig talt vært fantastisk. Vi har brukt de visuelle uttrykkene på fester, og i det øyeblikket folk innser at de styrer dem med sine egne kropper, skjer det noe. De blir lekne. De begynner å eksperimentere. Fullstendig fremmede begynner å danse sammen. Det har vært utrolig givende å se, fordi det er akkurat det vi håpet disse visuelle uttrykkene skulle gjøre: oppmuntre til deltakelse fremfor passivt konsum.

Til syvende og sist er det det elektronisk musikk alltid har betydd for meg. Ikke å stå på en scene over folk, men å bli en del av den samme delte opplevelsen.

Anay har også utviklet nettleserbaserte sekvenserings- og fremføringsverktøy. Hvordan påvirker slike prosjekter måten dere tenker på livefremføring av elektronisk musikk?
PSYCHO BAIKO: Mer enn noe annet har de endret hvilke spørsmål vi stiller.

Jeg tror ikke vi er spesielt interessert i å bygge mer teknologi bare for teknologiens skyld. Vi er interessert i å spørre hvilken rolle teknologien faktisk bør spille i kunstneriske uttrykk.

En idé jeg har tenkt på i det siste, er en komposisjon om musikkens egen fødsel. Lenge før instrumenter, lenge før programvare og lenge før elektronisk musikk hadde vi allerede rytme. Vi hadde pust, fottrinn, klapping, stemmer, dans, steiner, treverk og lydene fra naturen. Mennesker skapte musikk lenge før de hadde teknologi.

Det fikk meg til å lure: Hva om kroppen igjen ble det primære instrumentet? Hva om dansere, fottrinn, pust, tapping, primitive materialer og menneskestemmer dannet grunnlaget for en komposisjon, mens teknologien ganske enkelt hjalp til med å fange opp, forvandle og forsterke disse lydene, i stedet for å bli midtpunktet? Jeg tror det er her Anay og jeg møtes filosofisk. Enten han bygger nettleserbaserte sekvenseringsverktøy eller interaktive visuelle uttrykk, er teknologien aldri målet. Den er ganske enkelt et annet kunstnerisk medium. Den bør forsvinne inn i opplevelsen, i stedet for å dominere den.

Det er også slik vi tenker på livefremføring. Publikum bør ikke gå derfra og bare snakke om programvaren eller oppsettet. De bør huske hvordan fremføringen fikk dem til å føle, hvordan den inviterte dem til å delta, og hvordan den skapte en delt opplevelse.

Ironisk nok minner eksperimenteringen med teknologi oss stadig mer om at det kraftigste instrumentet vi noen gang vil ha, fortsatt er menneskekroppen. Alt annet er ganske enkelt en forlengelse av den.

Ser dere for dere en fremtid der artister i økende grad bygger spesialtilpassede verktøy, i stedet for å være helt avhengige av kommersiell programvare og maskinvare?
PSYCHO BAIKO: Jeg tror ikke alle artister trenger å bli programmerere eller bygge sine egne verktøy, og jeg tror ikke kommersiell programvare eller maskinvare er fienden. Vi bruker mange av disse verktøyene selv, og de har forvandlet måten musikk skapes på, på utrolige måter. Det vi håper, er at artister blir mer komfortable med å stille spørsmål ved verktøyene de får, i stedet for å anta at de er den eneste måten å skape på.

Alle artister har en unik måte å tenke på. Hvis ideene dine ikke passer pent inn i eksisterende programvare eller fremføringsoppsett, er det kanskje ikke en begrensning, men en invitasjon til å finne opp noe nytt. Det har vært vår erfaring med Psycho Baiko. Vi våknet aldri en dag og sa: “La oss bygge programvare.” Vi prøvde ganske enkelt å løse kreative problemer som betydde noe for oss.

Jeg tror faktisk vi går inn i en virkelig spennende tid, der artister igjen blir skapere. De komponerer ikke bare musikk: De designer instrumenter, bygger programvare, skaper visuelle systemer og finner opp helt nye måter å fremføre på. Det er et vakkert skifte, fordi det minner oss om at kunst og oppfinnelse alltid har gått hånd i hånd. Enda viktigere er det at jeg håper vi ikke mister av syne hvorfor vi bygger disse tingene.

Med mer originalmusikk i horisonten: Hvor ser dere for dere at Psycho Baiko utvikler seg de neste årene?
PSYCHO BAIKO: Vi håper Psycho Baiko fortsetter å bli mer tverrfaglig, ikke mer forutsigbart. Selvfølgelig kommer det mer originalmusikk, og det er en stor del av reisen, men vi vil ikke at prosjektet skal begrenses til å gi ut singler og spille konserter.

Vi vil gjerne fortsette å bygge oppslukende liveopplevelser der musikk, visuelle uttrykk, teknologi, dans og historiefortelling eksisterer som én samtale, i stedet for som separate elementer. Vi er også dypt interessert i å utforske kultur gjennom musikk. India har et ekstraordinært mangfold av musikalske tradisjoner, historier, språk og måter å oppleve rytme på, og vi vil fortsette å finne respektfulle, samtidige måter disse verdenene kan møte elektronisk musikk på – ikke gjennom fusjon for fusjonens skyld, men gjennom ekte dialog.

Vi vil også at Psycho Baiko skal forbli et rom for eksperimentering. Noen ideer kan bli innspillinger. Andre kan bli visuelle installasjoner, tegneserier, essays, filmer, livefremføringer eller kreative verktøy. Vi vil ikke bestemme mediet før vi har oppdaget ideen.

Til syvende og sist: Hva håper dere at folk husker best om Psycho Baiko? Musikken, fremføringene, teknologien, eller ganske enkelt ideen om at hvem som helst kan bygge noe meningsfullt med verktøyene de har?
PSYCHO BAIKO: Ærlig talt håper jeg de husker tillatelsen mer enn prosjektet. Selvfølgelig vil vi at folk skal knytte seg til musikken. Vi håper de danser på konsertene, oppdager noe nytt gjennom de visuelle uttrykkene og finner mening i historiene vi prøver å fortelle. Men hvis det er alt de husker, tror vi bare vi har oppnådd en del av det vi satte oss fore.

Vi håper Psycho Baiko minner folk på at artister ikke trenger å passe inn i ryddige kategorier. Du kan være musiker og teknolog. Psykolog og DJ. Poet og produsent. Danser og historieforteller. Noen av de mest spennende ideene oppstår når vi slutter å spørre oss selv hvilken boks vi hører hjemme i, og begynner å spørre hva vi oppriktig er nysgjerrige på.

I bunn og grunn har Psycho Baiko alltid handlet om å stille spørsmål ved nedarvede antakelser: om musikk, teknologi, kultur, kjønn og kreativitet. Ikke fordi vi har alle svarene, men fordi vi tror bedre spørsmål ofte fører til bedre kunst.

Hvis folk husker oss for noe som helst, håper vi det er dette: at vi etterlot den kreative verdenen litt mer åpen enn vi fant den. At vi oppmuntret noen til å ta sjanser, bygge noe eget og innse at de aldri trengte noens tillatelse til å kalle seg artister.

For oss ville det vært en arv langt større enn strømmetall, følgere eller festivalprogrammer.

Følg TFword på: Instagram | Facebook | X

Du vil kanskje også like:

Sabre Returns To Critical Music For Some Unfinished Drum & Bass Business

Mustard Music Distills Its Identity on ‘Inglorious Mustards 2’

Hospital Records Soundtracks Forza Horizon 6 with 24 New Drum & Bass Cuts