Die Dualitäten des Mumbai-Duos Psycho Baiko

Nach ihrem neuesten Release sprechen wir mit dem Duo über ihren Produktionsansatz, die Motive ihrer DJ-Sets und ihre Abenteuer in der Welt audio-visueller Experimente.

Aus dem Chaos geboren und vom Bass geschärft, braut sich in der Klangwelt von Anay und Divya, gemeinsam bekannt als Psycho Baiko, etwas Spannendes zusammen. Auf den ersten Blick fragt man sich vielleicht: „Hm, Psycho Baiko?“ Und genau dort beginnt die Faszination. Unter dem Chaos und der Unberechenbarkeit liegt eine Methode: ein sorgfältig durchdachter und systematischer Workflow, der es dem Duo ermöglicht, sich mühelos zwischen dunkleren, bassgetriebenen Sounds und wärmerer, groove-orientierter elektronischer Musik zu bewegen. Sie nehmen den Kontrast an – und erschaffen dadurch Sounds, die sich keinem einzelnen Genre, keiner Stimmung und keiner Erwartung unterordnen.

So braut sich das organisierte Chaos zusammen. Die A-Seite ist Anay aka Psycho, der tief in Jungle, Drum & Bass, Breaks, Dubstep, UK Bass, Neurofunk, Rave und experimentelle Club-Sounds eintaucht, während die B-Seite, Divya aka Baiko, eine wärmere Palette aus globalen Grooves, Weltpercussion, Desert Blues, Downtempo, Afro House, Disco und nostalgischen elektronischen Sounds erkundet.

Diese Dualität setzt sich in ihrem Produktionsansatz fort. Ihre Debütsingle im DnB, „Half My Sky“, verbindet gefühlvollen Gesang mit einer köstlichen Portion synkopierter Drums, die jenseits der Tanzfläche eine weichere und persönlichere Seite des Duos offenbaren. Der Track rückt Emotion, Melodie und Atmosphäre ins Zentrum und zeigt, wie das Duo seinen genre-fluiden Ansatz in etwas zutiefst Intimes überführen kann. Die kreative Vision von Psycho Baiko reicht außerdem über Musik hinaus. Ausgehend von ihren Hintergründen in Journalismus, Design und der Innovation im Live-Event-Bereich haben sie ein DIY-Universum entwickelt, in dem Sound, Visuals und die Interaktion mit dem Publikum aufeinandertreffen. Ihr Live-A/V-Erlebnis nutzt maßgeschneiderte, glitch-codierte Programmierung, um bewegungsaktivierte Visuals zu erzeugen, die direkt auf die Bewegungen der Menge reagieren und die Tanzfläche in einen aktiven Teil des Kunstwerks verwandeln.

In den kommenden zwölf Monaten steht einiges an: Im Psycho-Baiko-Lager braut sich so manches zusammen – von neuer Musik und der Weiterentwicklung ihres Sounds bis hin dazu, ihre unterschiedlichen DJ-Identitäten weiter auszubauen und ihre Live-A/V-Experimente zu vertiefen.

Vor diesem Hintergrund haben wir uns mit Anay und Divya über ihre neueste Single, die Entstehung ihrer Aliase Psycho und Baiko, ihren Produktionsansatz, das organisierte Chaos hinter ihren DJ-Sets und die visuelle Welt unterhalten, die sie rund um ihre Musik erschaffen. Außerdem sprechen wir über ihre Live-A/V-Abenteuer, die Ideen und Technologien dahinter und darüber, wie das nächste Kapitel von Psycho Baiko aussehen könnte.

Für alle, die Psycho Baiko zum ersten Mal entdecken: Wie würdet ihr das Projekt mit euren eigenen Worten beschreiben?
PSYCHO BAIKO: Psycho Baiko ist weniger ein Musikprojekt als eine kreative Praxis, die darauf ausgerichtet ist, Annahmen zu hinterfragen. Im Kern geht es um eine Erkundung von Musik, Technologie, Storytelling und Kultur – aber auch um eine leise Rebellion gegen viele Vorstellungen von Kreativität, die wir übernommen haben.

Als unabhängige Künstlerinnen und Künstler haben wir schnell gemerkt, wie teuer elektronische Musik werden kann. Professionelle CDJs, Visual-Software, Performance-Technologie und Produktionstools können die kreative Welt so wirken lassen, als sei sie nur Menschen mit entsprechenden Ressourcen zugänglich. Wir wollten nicht akzeptieren, dass dies der einzige Weg ist. Statt uns ständig zu fragen: „Welches Equipment müssen wir als Nächstes kaufen?“, begannen wir zu fragen: „Was können wir selbst bauen?“

Diese Frage wurde nach und nach zum Fundament von Psycho Baiko. Heute entwickeln wir neben unserer eigenen Musik browserbasierte Kreativtools, interaktive Visuals, experimentieren mit neuen Performance-Ideen und fertigen sogar unser eigenes Merchandise von Hand. Nichts davon soll bestehende Technologie ersetzen – wir sind dankbar für die unglaublichen Tools, die es bereits gibt. Es geht darum zu zeigen, dass Kreativität nicht mit teurem Equipment beginnen muss. Wenn jemand mit einem Laptop, einer Webcam und einer Idee durch etwas, das wir gebaut haben, den Mut zur eigenen Kreativität findet, dann haben wir unser Ziel erreicht.

Doch die Rebellion geht über Technologie hinaus. Kultur hat mich schon immer fasziniert – durch Musik, Tanz, Journalismus, Poesie und Anthropologie –, und mit der Vorstellung, dass Genres mit Regelbüchern daherkommen, konnte ich mich nie anfreunden. Wenn Disco fröhlich sein soll, warum darf sie dann nicht melancholisch sein? Wenn House Music glänzend und euphorisch klingen soll, warum darf sie dann nicht gothic oder verstörend sein? Warum darf Drum & Bass nicht mit indischen Erinnerungen, Poesie oder Volkstraditionen ins Gespräch kommen? Für mich sind Genres lebendige kulturelle Sprachen, keine Schubladen, in denen wir bleiben sollen.

Psycho Baiko hat auch eine zutiefst persönliche Ebene. Mich haben dunklere Klangwelten schon immer angezogen – Neurofunk, Dark Dubstep, industrielle Texturen und Metal –, doch an der Spitze dieser Räume standen traditionell relativ wenige Frauen. Frauen wird oft nahegelegt, makellos, angenehm, hübsch oder emotional zurückhaltend zu sein. Psycho Baiko stemmt sich dagegen. Ich möchte Raum dafür schaffen, dass Frauen laut, schroff, introspektiv, chaotisch, verletzlich und kraftvoll sein können und jede Facette ihrer selbst annehmen, ohne das Gefühl zu haben, ihre künstlerische Stimme abmildern zu müssen.

Letztlich geht es bei Psycho Baiko nicht darum zu beweisen, dass unser Weg der richtige ist. Es geht darum, Neugier zu fördern. Psycho Baiko existiert, um die Regeln zu hinterfragen, die wir übernehmen – über Musik, Technologie, Geschlecht und Kreativität – und anschließend zu fragen, ob diese Regeln überhaupt existieren müssen.

Wie ist Psycho Baiko ursprünglich entstanden, und welche Vision hattet ihr am Anfang?
PSYCHO BAIKO: Wenn ich zurückblicke, glaube ich nicht, dass Psycho Baiko mit Musik begann. Es begann mit einer Frage. Vor etwa zehn Jahren saß ich am Marine Drive und hörte Ludovico Einaudi. Ich erinnere mich, wie völlig versunken ich in der Musik war und mich fragte: „Was wäre, wenn ein Dirigent mit jeder Bewegung des Taktstocks Klang in die Welt malen könnte? Was wäre, wenn das Orchester nicht nur Musik, sondern auch Visuals erzeugen würde?“ Ich konnte nicht aufhören, darüber nachzudenken. Es war nicht bloß eine Idee für eine Performance, sondern eine Frage danach, wie verschiedene Kunstformen ineinander übergehen könnten.

Ich wusste, dass mir die technischen Fähigkeiten fehlten, um so etwas zu bauen, also begann ich, nach jemandem zu suchen, der sie hatte. So lernte ich Anay kennen. Rückblickend wirkt es unausweichlich, dass wir einander gefunden haben, weil wir Kreativität aus unterschiedlichen Richtungen erkundeten.

Die ursprüngliche Vision war nie, DJs zu werden oder gar ein „kreatives Universum“ aufzubauen. Wir wollten einfach ehrlich kreativ sein und unserer Neugier folgen, wohin auch immer sie uns führte.

Der Name selbst ist ziemlich markant. Was steckt hinter „Psycho Baiko“, und was bedeutet er euch heute?
PSYCHO BAIKO: Er begann als Spitzname – vor allem, weil ich ausgebildete Psychologin und eine absolute Plage bin, wenn es um Ideen geht.

Mein Gehirn hat die Angewohnheit, Verbindungen herzustellen, die wahrscheinlich nicht existieren sollten, und ADHS hilft dabei definitiv. „Psycho Baiko“ wurde also zum Kürzel für diese chaotische Neugier.

Ihr beide kommt aus unterschiedlichen kreativen Bereichen. Wie haben eure Erfahrungen mit Musik, Design, Journalismus, Filmemachen und Live-Entertainment die Identität von Psycho Baiko geprägt?
PSYCHO BAIKO: Ich glaube, Psycho Baiko existiert, weil keiner von uns Kreativität je durch die Linse einer einzigen Disziplin betrachtet hat. Menschen, Kultur und Storytelling haben mich schon immer fasziniert. Psychologie zu studieren hat mich gelehrt, menschliches Verhalten und Emotionen zu verstehen. Durch das Erlernen der Violine entwickelte ich eine tiefe Wertschätzung für Orchestrierung und musikalische Disziplin, während mir der Tanz zeigte, dass Musik nicht nur etwas ist, das wir hören, sondern etwas, das wir körperlich erfahren. Der Journalismus verschaffte mir einen Platz in der ersten Reihe von Musik und Kultur und ermöglichte mir, Künstlerinnen und Künstler, Bewegungen und Communities zu dokumentieren. Meine Arbeit im Live-Entertainment lehrte mich, wie sich das Publikum emotional mit gemeinsamen Erlebnissen verbindet. Die Poesie wiederum lehrte mich, in Stille, Metaphern und Zurückhaltung Bedeutung zu finden.

Anay hingegen ist einer dieser seltenen Menschen, die sich ganz selbstverständlich zwischen Kunst, Technologie und Ingenieurswesen bewegen, ohne dazwischen Grenzen zu sehen. Er zeichnet, malt, spielt Gitarre, erschafft 3D-Kunst, schreibt Code, hat Filmemachen und Audiotechnik studiert und sich jahrelang mit Sound, Design und visuellen Systemen beschäftigt. In einer Architektenfamilie aufzuwachsen bedeutete, dass Dinge zu bauen beinahe eine Lebensweise war. Sein Impuls besteht nicht nur darin, etwas Schönes zu erschaffen, sondern auch darin, zu verstehen, wie es funktioniert, es auseinanderzunehmen und sich vorzustellen, wie es anders funktionieren könnte.

Wir fordern uns ständig gegenseitig heraus. Ich dränge ihn in Richtung Emotion und Erzählung, er mich in Richtung Experiment und Erfindung. Irgendwo in diesem Gespräch findet Psycho Baiko seine Identität. In vielerlei Hinsicht ist Psycho Baiko das Ergebnis davon, dass Psychologie auf Ingenieurswesen trifft, Poesie auf Code, Kultur auf Technologie und Storytelling auf Sound.

„Half My Sky“ fühlt sich wie ein wichtiger Schritt in der Entwicklung von Psycho Baiko an. Was geschah kreativ, als der Track Gestalt annahm?
PSYCHO BAIKO: Half My Sky entstand, weil Anay mir eine Frage stellte, die mich nicht mehr losließ.

Ungefähr im Oktober vergangenen Jahres sagte er: „Es wird Zeit, dass du eigene Musik machst.“ Zuerst war ich begeistert und begann, über Ideen nachzudenken. Ich dachte daran, einen Drum-&-Bass-Track mit meiner Shinchan-Stimme als Sample zu machen. Ich stellte mir Kollaborationen zwischen indischen klassischen Musikerinnen und Musikern und DnB-Künstlerinnen und -Künstlern vor, Songs rund um Tänzerinnen und Tänzer und alle möglichen Konzepte. Es waren interessante Ideen, aber keine davon fühlte sich so an, als müsste sie existieren.

Im Juni, nach meinem zweiten DJ-Gig bei The Kibono Party, fragte er mich etwas, das mich viel härter traf: „Wie lange willst du noch die Platten anderer Leute spielen? Gibt es nichts, das du mit deiner eigenen Stimme sagen möchtest?“ Am nächsten Morgen wachte ich mit einer Antwort auf. Ich sagte ihm: „Ich möchte einen Song darüber schreiben, wie sehr ich meine Schwester vermisse.“

Wir lebten seit fast drei Jahren in verschiedenen Ländern, und dieses Gefühl hatte mich nie wirklich verlassen. Das Seltsame war, dass ich es mir nie vollständig eingestanden hatte – nicht einmal mir selbst und ganz sicher nicht ihr. Mir wurde klar, dass es Emotionen gab, die ich in einem Gespräch nicht ganz ausdrücken konnte, vielleicht aber durch Musik. In diesem Moment begann Half My Sky wirklich.

Für mich war Musik schon immer mehr als Unterhaltung. Sie ist eine Möglichkeit, Gefühle zu verstehen, für die es nicht immer Worte gibt. Ich wollte, dass unsere eigene Musik aus einem Ort vollkommener Ehrlichkeit kommt, statt irgendjemanden beeindrucken oder einem bestimmten Sound hinterherzujagen. Wenn ich meine eigene künstlerische Stimme einführen würde, sollte sie mit etwas emotional Wahrem beginnen.

Ich wusste bereits, dass es Drum & Bass werden würde. Einer der Gründe, warum ich dieses Genre liebe, ist seine emotionale Grenzenlosigkeit. Viele verbinden es mit Intensität oder Energie, aber ich hatte immer das Gefühl, dass es Zärtlichkeit, Sehnsucht, Trauer, Hoffnung und Liebe genauso kraftvoll tragen kann. Es wurde zur perfekten Leinwand für die Geschichte, die ich erzählen wollte.

Gleichzeitig wollte ich orchestrale Texturen einbringen – als leise Verbeugung vor dem Anfang meiner eigenen musikalischen Reise: der Violine und der Welt der Orchestermusik. In vielerlei Hinsicht wurde Half My Sky zu einem Treffpunkt zwischen meinen frühesten musikalischen Erinnerungen und der elektronischen Musik, in die ich mich im Laufe der Jahre verliebt habe.

Rückblickend glaube ich nicht, dass Half My Sky wirklich ein Song über Distanz ist. Es ist ein Song über Liebe, die bestehen bleibt, selbst wenn das Leben Menschen in unterschiedliche Richtungen zieht. Und ich glaube, genau deshalb berührt er die Menschen. Fast jeder hat jemanden, der Teil seines Himmels geworden ist, auch wenn diese Person nicht mehr an seiner Seite steht.

Könnt ihr uns durch den Entstehungsprozess von „Half My Sky“ im Studio führen – vom ersten Funken einer Idee bis zum fertigen Track?
PSYCHO BAIKO: Sobald wir wussten, was der Song sagen musste, wurde das Studio zu einem Raum, in dem wir Emotion in Sound übersetzen konnten.

Unser Prozess ist sehr kollaborativ, aber wir bringen ganz natürlich unterschiedliche Dinge ein. Ich beginne meist mit der emotionalen Welt des Songs. Ich summe Melodien, singe Fragmente von Gesangslinien, schlage Instrumentierung vor, beschreibe Texturen, sammle Referenzen und spreche über das Gefühl, das ich hervorrufen möchte. Manchmal sage ich etwas völlig Abstraktes wie: „Das sollte sich wie der Schmerz anfühlen, jemanden zu vermissen.“ So funktioniert mein Gehirn.
Anay beginnt dann, diese Ideen in Sound zu übersetzen. Er baut Arrangements, experimentiert mit Synthese und Sounddesign, formt die harmonische Struktur und fragt ständig, wie wir die Emotion greifbarer machen können. Der Prozess verläuft selten linear: Wir reichen Ideen hin und her, fordern uns gegenseitig heraus, bis sich die Musik emotional ehrlich und nicht bloß technisch beeindruckend anfühlt.
Außerdem achteten wir sehr darauf, den Song nicht zu überproduzieren. Jedes Instrument musste sich seinen Platz verdienen.

Die begleitende visuelle Welt wirkt genauso wichtig wie die Musik selbst. Wie eng wurden Audio und Visuals gemeinsam entwickelt?
PSYCHO BAIKO: Interessanterweise war das finale Musikvideo überhaupt nicht geplant. Ursprünglich stellten wir uns etwas viel Konventionelleres vor. Wir sprachen darüber, mit Tänzerinnen und Tänzern zu arbeiten und ein richtiges Musikvideo zu drehen, und Anay hatte einige eigene visuelle Konzepte, die wir erkundeten.

Dann öffnete ich eines Tages, fast zufällig, die browserbasierten Visuals, an denen wir gearbeitet hatten, und begann in meinem Zimmer zu Half My Sky zu tanzen. Ich nahm auf, was auf meinem Laptop passierte, sah es mir anschließend an – und plötzlich machte es Klick. Mir wurde klar, dass kein Choreograf und keine Schauspielerin körperlich auf genau dieselbe Weise ausdrücken konnte, was dieser Song für mich bedeutete, weil er aus einem so persönlichen Ort kam. Die Bewegungen waren nicht choreografiert: Mein Körper reagierte einfach auf etwas, das ich geschrieben hatte.

Da beschlossen wir, es einfach zu halten. Statt ein größeres Musikvideo zu produzieren, ließen wir die Emotion den Weg weisen. Was die Menschen sehen, ist im Wesentlichen meine Interaktion mit Visuals, die wir selbst gebaut hatten, und irgendwie fühlte sich das viel ehrlicher an als alles, was wir ursprünglich geplant hatten. Ich glaube, das haben wir bei der Arbeit an diesem Projekt immer wieder gelernt: Manchmal ist die authentischste Lösung nicht die größte. Es ist die, die sich am ehrlichsten anfühlt.

Was mir besonders aufgefallen ist: Psycho Baiko ist zu etwas geworden, das viel größer ist als ein Musikprojekt. Wann wurde euch klar, dass ihr ein ganzes kreatives Ökosystem aufbaut, statt einfach nur Tracks zu veröffentlichen?
PSYCHO BAIKO: Ich glaube nicht, dass es diesen einen Moment gab. Es geschah so allmählich, dass wir es selbst beinahe nicht bemerkten. Wir lösten ein kreatives Problem und erschufen dabei fast instinktiv etwas anderes. Wir schrieben ein Musikstück, das uns zu Visuals führte. Die Visuals brachten uns dazu, uns zu fragen, ob wir unsere eigenen Tools bauen könnten. Der Bau dieser Tools ließ uns Performance neu denken. Performance führte dazu, dass wir Merchandise von Hand fertigten. Eine Frage führte einfach immer zur nächsten. Rückblickend wird mir klar, dass wir nie wirklich daran interessiert waren, „Content“ zu produzieren. Wir bauten eine Art zu erschaffen. Irgendwann hörten wir auf zu fragen: „Was ist der nächste Release?“, und begannen zu fragen: „Welche nächste Idee ist es wert, erkundet zu werden?“ Das ist eine völlig andere Denkweise.
Das Ökosystem entstand, weil sich unsere Neugier nicht an einem Ort halten ließ. Ich glaube, das ist auch der Grund, warum wir Psycho Baiko nicht als Marke sehen. Marken fragen normalerweise: „Wie bleiben wir konsistent?“ Wir fragen eher: „Wie bleiben wir neugierig?“

Die browserbasierten interaktiven Visuals sind ein großartiges Beispiel dafür, Technologie zugänglich zu machen. Wie kam diese Idee auf, und wie reagieren die Menschen, die damit experimentieren?
PSYCHO BAIKO: Die Idee entstand tatsächlich eher aus dem Tanz als aus der Technologie. Wir beide haben jahrelang auf Tanzflächen verbracht, und einige meiner schönsten Erinnerungen stammen nicht davon, DJs zuzusehen, sondern stundenlang mit völlig Fremden zu tanzen. Darum ging es bei elektronischer Musik für uns schon immer. Der DJ mag die Reise lenken, aber es sind die Menschen auf der Tanzfläche, die sie wirklich zum Leben erwecken.

Als DJ schöpfe ich unglaublich viel Energie aus Tänzerinnen und Tänzern. Ich tanze mit ihnen, lasse mich von ihren Bewegungen anstecken und glaube wirklich, dass sie zu den am meisten übersehenen Teilen der elektronischen Musikkultur gehören. Wir wollten das würdigen. Also begannen wir, uns zu fragen: Was wäre, wenn das Publikum die Visuals nicht nur ansehen würde? Was wäre, wenn es selbst zu den Visuals würde?

So entstand das browserbasierte visuelle System. Statt Visuals als etwas zu behandeln, das hinter dem DJ projiziert wird, wollten wir, dass die Menschen direkt mit ihnen interagieren. Man braucht nur einen Browser und eine Webcam – und plötzlich wird die eigene Bewegung Teil des Kunstwerks.

In vielerlei Hinsicht verlagert das den Fokus dorthin zurück, wo er unserer Meinung nach immer hingehört hat: auf die Tanzfläche selbst. Die Reaktion war ehrlich gesagt wunderbar. Wir haben die Visuals auf Partys eingesetzt, und in dem Moment, in dem die Menschen erkennen, dass sie sie mit ihrem eigenen Körper steuern, verändert sich etwas. Sie werden spielerisch. Sie beginnen zu experimentieren. Völlig Fremde fangen an, miteinander zu tanzen. Das zu beobachten, war unglaublich erfüllend, denn genau das sollten diese Visuals bewirken: zur Teilnahme statt zum passiven Konsum anregen.

Letztlich ist das für mich die Bedeutung elektronischer Musik. Nicht auf einer Bühne über den Menschen zu stehen, sondern Teil derselben gemeinsamen Erfahrung zu werden.

Anay hat außerdem browserbasierte Sequencing- und Performance-Tools entwickelt. Wie beeinflussen solche Projekte eure Vorstellung von elektronischer Live-Performance?
PSYCHO BAIKO: Vor allem haben sie die Art von Fragen verändert, die wir stellen.

Ich glaube nicht, dass wir besonders daran interessiert sind, um ihrer selbst willen mehr Technologie zu bauen. Uns interessiert die Frage, welche Rolle Technologie im künstlerischen Ausdruck tatsächlich spielen sollte.

Eine Idee, über die ich in letzter Zeit nachdenke, ist eine Komposition über die Entstehung der Musik selbst. Lange vor Instrumenten, lange vor Software und lange vor elektronischer Musik gab es bereits Rhythmus. Wir hatten Atem, Schritte, Klatschen, Stimmen, Tanz, Steine, Holz und die Geräusche der Natur. Menschen machten Musik, lange bevor sie Technologie hatten.

Das brachte mich zu der Frage: Was wäre, wenn der Körper wieder zum primären Instrument würde? Was wäre, wenn Tänzerinnen und Tänzer, Schritte, Atem, Klopfen, primitive Materialien und menschliche Stimmen das Fundament einer Komposition bildeten, während Technologie lediglich dabei hilft, diese Klänge aufzunehmen, zu verändern und zu verstärken, statt zum Mittelpunkt zu werden? Ich glaube, genau dort treffen Anay und ich uns philosophisch. Ob er nun browserbasierte Sequencing-Tools oder interaktive Visuals baut – die Technologie ist niemals das Ziel. Sie ist einfach ein weiteres künstlerisches Medium. Sie sollte in der Erfahrung verschwinden, statt sie zu dominieren.

So denken wir auch über Live-Performance. Das Publikum sollte nicht nach Hause gehen und nur über die Software oder das Setup sprechen. Es sollte sich daran erinnern, wie sich die Performance angefühlt hat, wie sie zur Teilnahme eingeladen und eine gemeinsame Erfahrung geschaffen hat.

Ironischerweise erinnert uns das Experimentieren mit Technologie umso mehr daran, dass das mächtigste Instrument, das wir je haben werden, noch immer der menschliche Körper ist. Alles andere ist lediglich eine Erweiterung davon.

Seht ihr eine Zukunft, in der Künstlerinnen und Künstler zunehmend maßgeschneiderte Tools bauen, statt sich vollständig auf kommerzielle Software und Hardware zu verlassen?
PSYCHO BAIKO: Ich glaube nicht, dass jede Künstlerin und jeder Künstler Programmierer werden oder eigene Tools bauen muss, und ich glaube auch nicht, dass kommerzielle Software oder Hardware der Feind ist. Wir selbst nutzen viele dieser Tools, und sie haben das Musikmachen auf unglaubliche Weise verändert. Wir hoffen lediglich, dass Künstlerinnen und Künstler sich wohler dabei fühlen, die ihnen gegebenen Tools zu hinterfragen, statt anzunehmen, sie seien die einzige Möglichkeit zu erschaffen.

Jede Künstlerin und jeder Künstler denkt auf eigene Weise. Wenn eure Ideen nicht sauber in bestehende Software oder Performance-Setups passen, ist das vielleicht keine Einschränkung, sondern eine Einladung, etwas Neues zu erfinden. Das war unsere Erfahrung mit Psycho Baiko. Wir sind nie aufgewacht und haben gesagt: „Lasst uns Software bauen.“ Wir versuchten einfach, kreative Probleme zu lösen, die uns wichtig waren.

Ich glaube tatsächlich, dass wir in eine wirklich aufregende Zeit eintreten, in der Künstlerinnen und Künstler wieder zu Macherinnen und Machern werden. Sie komponieren nicht nur Musik: Sie entwerfen Instrumente, bauen Software, erschaffen visuelle Systeme und erfinden völlig neue Arten aufzutreten. Das ist eine schöne Entwicklung, weil sie uns daran erinnert, dass Kunst und Erfindung schon immer Hand in Hand gingen. Noch wichtiger ist, dass wir nicht aus den Augen verlieren, warum wir diese Dinge bauen.

Mit weiterer eigener Musik am Horizont: Wie seht ihr die Entwicklung von Psycho Baiko in den nächsten Jahren?
PSYCHO BAIKO: Wir hoffen, dass Psycho Baiko interdisziplinärer statt vorhersehbarer wird. Natürlich wird es mehr eigene Musik geben, und das ist ein großer Teil der Reise, aber wir wollen das Projekt nicht auf Singles und Shows beschränken.

Wir würden gerne weiterhin immersive Live-Erlebnisse schaffen, in denen Musik, Visuals, Technologie, Tanz und Storytelling als ein gemeinsames Gespräch existieren, statt als getrennte Elemente. Außerdem interessiert uns sehr, Kultur durch Musik zu erkunden. Indien verfügt über eine außergewöhnliche Vielfalt musikalischer Traditionen, Geschichten, Sprachen und Arten, Rhythmus zu erleben, und wir wollen weiterhin respektvolle, zeitgenössische Wege finden, wie diese Welten auf elektronische Musik treffen können – nicht durch Fusion um ihrer selbst willen, sondern durch einen echten Dialog.

Psycho Baiko soll außerdem ein Raum für Experimente bleiben. Manche Ideen werden vielleicht zu Platten, andere zu visuellen Installationen, Comics, Essays, Filmen, Live-Performances oder kreativen Tools. Wir wollen das Medium nicht festlegen, bevor wir die Idee entdeckt haben.

Was sollen die Menschen letztlich am meisten von Psycho Baiko in Erinnerung behalten? Die Musik, die Performances, die Technologie oder einfach die Idee, dass jeder mit den vorhandenen Tools etwas Bedeutungsvolles erschaffen kann?
PSYCHO BAIKO: Ehrlich gesagt hoffe ich, dass sie sich eher an die Erlaubnis erinnern als an das Projekt. Natürlich wollen wir, dass die Menschen eine Verbindung zur Musik aufbauen. Wir hoffen, dass sie bei den Shows tanzen, durch die Visuals etwas Neues entdecken und in den Geschichten, die wir zu erzählen versuchen, Bedeutung finden. Aber wenn das alles ist, woran sie sich erinnern, haben wir unserer Meinung nach nur einen Teil dessen erreicht, was wir uns vorgenommen hatten.

Wir hoffen, dass Psycho Baiko die Menschen daran erinnert, dass Künstlerinnen und Künstler nicht in saubere Kategorien passen müssen. Man kann Musikerin und Technologin sein. Psychologin und DJ. Poetin und Produzentin. Tänzerin und Geschichtenerzählerin. Einige der aufregendsten Ideen entstehen, wenn wir aufhören, uns zu fragen, in welche Schublade wir gehören, und stattdessen fragen, worauf wir wirklich neugierig sind.

Im Kern ging es bei Psycho Baiko immer darum, übernommene Annahmen zu hinterfragen: über Musik, Technologie, Kultur, Geschlecht und Kreativität. Nicht, weil wir alle Antworten hätten, sondern weil wir glauben, dass bessere Fragen oft zu besserer Kunst führen.

Wenn man sich an uns wegen irgendetwas erinnert, dann hoffentlich daran: dass wir die kreative Welt ein wenig offener hinterlassen haben, als wir sie vorgefunden haben. Dass wir einige Menschen dazu ermutigt haben, Risiken einzugehen, etwas Eigenes zu bauen und zu erkennen, dass sie nie die Erlaubnis anderer brauchten, um sich Künstlerinnen oder Künstler zu nennen.

Für uns wäre das ein Vermächtnis, das weit über Streams, Follower oder Festival-Line-ups hinausgeht.

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