Utforskar dualiteten hos Mumbai-duon Psycho Baiko

Efter deras senaste släpp pratade vi med duon om deras produktionsmetod, motiven som formar deras DJ-set och deras äventyr inom audiovisuella experiment.

Födda ur kaos och sedan slipade av basen bubblar något intressant i Anay och Divyas ljudvärld – tillsammans kända som Psycho Baiko. Vid första anblick kanske du frågar dig: “Hmm, Psycho Baiko?” Och det är precis där intrigen börjar. Under kaoset och oförutsägbarheten finns en metod: ett noggrant genomtänkt och systematiskt arbetssätt som låter duon röra sig obehindrat mellan mörkare, basdrivna ljud och varmare, groovebaserad elektronisk musik. De omfamnar kontrasten, vilket låter dem skapa ljud som vägrar landa i en enda genre, stämning eller förväntan.

Så här brygger det organiserade kaoset. A-sidan är Anay, alias Psycho, som dyker djupt ner i jungle, drum & bass, breaks, dubstep, UK bass, neurofunk, rave och vänsterfältsklubbmusik, medan B-sidan, Divya alias Baiko, utforskar en varmare palett av globala grooves, världsp percussion, desert blues, downtempo, Afro house, disco och nostalgiska elektroniska ljud.

Den här dualiteten sträcker sig också till deras produktionsmetod. Deras debutsingel inom DnB, ‘Half My Sky,’ kombinerar känslosam sång med en utsökt dos synkoperade trummor som visar upp en mjukare och mer personlig sida av duon bortom dansgolvet. Låten låter känsla, melodi och atmosfär stå i centrum och visar duons förmåga att kanalisera sitt genreöverskridande arbetssätt till något djupt intimt. Psycho Baikos kreativa vision sträcker sig också bortom musiken. Med bakgrunder inom journalistik, design och innovation kring liveevenemang har duon utvecklat ett DIY-universum där ljud, visuella uttryck och publikinteraktion möts. Deras livebaserade A/V-upplevelse använder specialbyggd, glitchkodad programmering för att skapa rörelseaktiverade visuella uttryck som reagerar direkt på publikens rörelser och förvandlar dansgolvet till en aktiv del av konstverket.

Med en hel del på gång under de kommande tolv månaderna bubblar det rejält i Psycho Baiko-lägret – från ny musik och vidareutvecklingen av deras sound till att fördjupa sig ännu mer i sina distinkta DJ-identiteter och expandera sina Live A/V-experiment.

Med det i åtanke satte vi oss ner med Anay och Divya för att prata om deras senaste singel, hur deras alias Psycho och Baiko kom till, deras produktionsmetod, det organiserade kaoset som formar deras DJ-set och den visuella värld de bygger kring sin musik. Vi pratade också om deras Live A/V-äventyr, idéerna och tekniken bakom dem och hur nästa kapitel för Psycho Baiko ser ut.

För den som upptäcker Psycho Baiko för första gången – hur skulle ni beskriva projektet med era egna ord?
PSYCHO BAIKO: Psycho Baiko är mindre ett musikprojekt och mer en kreativ praktik byggd kring att ifrågasätta antaganden. I grunden är det en utforskning av musik, teknik, berättande och kultur, men också ett stillsamt uppror mot många av de idéer om kreativitet som vi har ärvt.

Som oberoende artister insåg vi snabbt hur dyrt det kan bli att skapa elektronisk musik. Professionella CDJ-spelare, visuell mjukvara, teknik för liveframträdanden och produktionsverktyg kan få den kreativa världen att kännas tillgänglig bara för dem som har resurserna. Vi ville inte acceptera det som den enda vägen. I stället för att hela tiden fråga “Vilken utrustning behöver vi köpa härnäst?” började vi fråga “Vad kan vi bygga själva?”

Den frågan blev gradvis grunden för Psycho Baiko. I dag skapar vi, vid sidan av vår originalmusik, webbläsarbaserade kreativa verktyg och interaktiva visuella uttryck, experimenterar med nya idéer för liveframträdanden och tillverkar till och med våra egna produkter för hand. Inget av det handlar om att ersätta befintlig teknik – vi är tacksamma för de fantastiska verktyg som redan finns. Det handlar om att visa att kreativitet inte måste börja med dyr utrustning. Om någon med en laptop, en webbkamera och en idé känner sig stärkt att skapa tack vare något vi har byggt, då har vi lyckats.

Men upproret sträcker sig bortom tekniken. Jag har alltid fascinerats av kultur – genom musik, dans, journalistik, poesi och antropologi – och jag har aldrig känt mig bekväm med idén att genrer kommer med regelböcker. Om disco ska vara glädjefyllt, varför kan det inte vara melankoliskt? Om housemusik förväntas vara glansig och euforisk, varför kan den inte vara gotisk eller oroande? Varför kan inte drum & bass samtala med indiska minnen, poesi eller folktraditioner? För mig är genrer levande kulturella språk, inte lådor som vi förväntas hålla oss i.

Det finns också ett djupt personligt lager i Psycho Baiko. Jag har alltid dragits till mörkare ljudvärldar – neurofunk, mörk dubstep, industriella texturer och metal – men de miljöerna har traditionellt haft relativt få kvinnor i förgrunden. Kvinnor uppmuntras ofta att vara välpolerade, behagliga, vackra eller känslomässigt återhållsamma. Psycho Baiko säger emot det. Jag vill skapa utrymme för kvinnor att vara högljudda, hårda, introspektiva, kaotiska, sårbara och kraftfulla och att omfamna varje nyans av sig själva utan att känna behov av att mildra sitt konstnärliga uttryck.

I slutändan handlar Psycho Baiko inte om att bevisa att vårt sätt är det rätta. Det handlar om att uppmuntra nyfikenhet. Psycho Baiko finns till för att ifrågasätta reglerna vi ärver – om musik, teknik, kön och kreativitet – och sedan fråga om de reglerna ens behöver finnas.

Hur kom Psycho Baiko först samman, och vilken var den ursprungliga visionen när ni började?
PSYCHO BAIKO: När jag ser tillbaka tror jag inte att Psycho Baiko började med musik. Det började med en fråga. För ungefär tio år sedan satt jag vid Marine Drive och lyssnade på Ludovico Einaudi. Jag minns att jag var helt uppslukad av musiken och undrade “Tänk om en dirigent kunde måla fram ljud med varje rörelse av taktpinnen? Tänk om orkestern inte bara skapade musik, utan också visuella uttryck?” Jag kunde inte sluta tänka på det. Det var inte bara en idé för ett framträdande, utan en fråga om hur olika konstformer kunde upplösas i varandra.

Jag visste att jag inte hade de tekniska färdigheterna för att bygga något sådant, så jag började leta efter någon som hade det. Det var så jag träffade Anay. När jag ser tillbaka nu känns det oundvikligt att vi hittade varandra, eftersom vi båda utforskade kreativitet från olika håll.

Den ursprungliga visionen var aldrig att bli DJ:s eller ens att bygga ett “kreativt universum”. Vi ville helt enkelt skapa ärligt och följa vår nyfikenhet vart den än ledde oss.

Namnet är i sig ganska särpräglat. Vad är historien bakom “Psycho Baiko”, och vad representerar det för er i dag?
PSYCHO BAIKO: Det började som ett smeknamn, främst eftersom jag är utbildad psykolog och ett fullständigt hot när det gäller idéer.

Min hjärna har en vana att skapa kopplingar som förmodligen inte borde finnas, och ADHD hjälper definitivt till med det, så “Psycho Baiko” blev en kortform för den där kaotiska nyfikenheten.

Ni kommer båda från olika kreativa bakgrunder. Hur har era erfarenheter av musik, design, journalistik, filmskapande och liveunderhållning format Psycho Baikos identitet?
PSYCHO BAIKO: Jag tror att Psycho Baiko finns eftersom ingen av oss någonsin har sett kreativitet genom en enda disciplins lins. Jag har alltid fascinerats av människor, kultur och berättande. Psykologistudierna lärde mig att förstå mänskligt beteende och känslor. Att lära mig spela violin gav mig en djup uppskattning för orkestrering och musikalisk disciplin, medan dans lärde mig att musik inte bara är något vi hör, utan något vi upplever fysiskt. Journalistiken gav mig en plats på första parkett till musik och kultur och lät mig dokumentera artister, rörelser och gemenskaper, medan mitt arbete inom liveunderhållning lärde mig hur publiken knyter an känslomässigt till gemensamma upplevelser. Poesin lärde mig i sin tur att hitta mening i tystnad, metaforer och återhållsamhet.

Anay är å andra sidan en av de där sällsynta personerna som naturligt rör sig mellan konst, teknik och ingenjörskonst utan att se några gränser mellan dem. Han tecknar, målar, spelar gitarr, skapar 3D-konst, skriver kod, har studerat filmskapande och ljudteknik och har ägnat år åt att tänka på ljud, design och visuella system. Han växte upp i en arkitektfamilj, så att bygga saker var nästan ett sätt att leva. Hans instinkt är inte bara att skapa något vackert, utan att förstå hur det fungerar, plocka isär det och föreställa sig hur det skulle kunna fungera annorlunda.

Vi utmanar ständigt varandra. Jag driver honom mot känsla och berättande; han driver mig mot experiment och uppfinningar. Någonstans i det samtalet hittar Psycho Baiko sin identitet. På många sätt är Psycho Baiko vad som händer när psykologi möter ingenjörskonst, poesi möter kod, kultur möter teknik och berättande möter ljud.

Er senaste singel, Half My Sky, känns som ett viktigt steg i Psycho Baikos utveckling. Vad hände kreativt när låten började ta form?
PSYCHO BAIKO: Half My Sky kom till eftersom Anay ställde en fråga som jag inte kunde sluta tänka på.

Någon gång i oktober förra året sa han: “Det är dags att du börjar göra originalmusik.” Först blev jag entusiastisk och började tänka på idéer. Jag funderade på att göra en Drum & Bass-låt med min Shinchan-röst som sampling. Jag föreställde mig samarbeten mellan indiska klassiska musiker och DnB-artister, låtar byggda kring dansare och alla möjliga koncept. Det var intressanta idéer, men ingen av dem kändes som om de behövde finnas.

I juni, efter mitt andra DJ-gig på The Kibono Party, frågade han mig något som träffade mycket hårdare: “Hur länge tänker du fortsätta spela andras skivor? Finns det inget du vill säga med din egen röst?” Jag vaknade nästa morgon med ett svar. Jag sa till honom: “Jag vill skriva en låt om hur mycket jag saknar min syster.”

Vi hade bott i olika länder i nästan tre år, och den känslan hade aldrig riktigt lämnat mig. Det märkliga var att jag aldrig helt hade erkänt den – inte ens för mig själv, och definitivt inte för henne. Jag insåg att det fanns känslor jag inte riktigt kunde uttrycka i ett samtal, men kanske kunde jag göra det genom musik. Det var då Half My Sky verkligen började.

För mig har musik alltid varit mer än underhållning. Det är ett sätt att förstå känslor som inte alltid har ord. Jag ville att vår originalmusik skulle komma från en plats av fullständig ärlighet, snarare än från en önskan att imponera på någon eller jaga ett särskilt sound. Om jag skulle introducera min egen konstnärliga röst ville jag att den skulle börja med något som var känslomässigt sant.

Jag visste redan att det skulle bli Drum & Bass. En av anledningarna till att jag älskar genren är att den är känslomässigt gränslös. Folk förknippar den ofta med intensitet eller energi, men jag har alltid känt att den kan bära ömhet, längtan, sorg, hopp och kärlek lika kraftfullt. Den blev den perfekta duken för berättelsen jag ville berätta.

Samtidigt ville jag ta in orkestrala texturer som en stillsam vinkning till där min egen musikaliska resa började: med violinen och den orkestrala musikens värld. På många sätt blev Half My Sky en mötesplats mellan mina tidigaste musikaliska minnen och den elektroniska musik jag har förälskat mig i genom åren.

När jag ser tillbaka tror jag inte att Half My Sky egentligen är en låt om avstånd. Det är en låt om kärlek som finns kvar även när livet drar människor åt olika håll. Och jag tror att det är därför den berör människor. Nästan alla har någon som har blivit en del av deras himmel, även om personen inte längre står bredvid dem.

Kan ni ta oss igenom hur Half My Sky kom till i studion – från den första gnistan till den färdiga inspelningen?
PSYCHO BAIKO: När vi visste vad låten behövde säga blev studion en plats där känslor kunde översättas till ljud.

Vår process är väldigt kollaborativ, men vi tar naturligt med oss olika saker till bordet. Jag börjar vanligtvis med låtens känslomässiga värld. Jag nynnar melodier, sjunger fragment av sånglinjer, föreslår instrumentering, beskriver texturer, samlar referenser och pratar om känslan jag försöker framkalla. Ibland säger jag något helt abstrakt som “Det här ska kännas som smärtan i att sakna någon.” Så fungerar min hjärna.
Anay börjar sedan översätta idéerna till ljud. Han bygger arrangemang, experimenterar med syntes och ljuddesign, formar den harmoniska strukturen och frågar hela tiden hur vi kan göra känslan mer konkret. Processen är sällan linjär: vi skickar idéer fram och tillbaka och utmanar varandra tills musiken känns känslomässigt ärlig snarare än bara tekniskt imponerande.
Vi var också väldigt medvetna om att inte överproducera låten. Varje instrument var tvunget att förtjäna sin plats.

Den visuella värld som följer med känns lika viktig som själva musiken. Hur tätt utvecklades ljud och bild tillsammans?
PSYCHO BAIKO: Intressant nog var den färdiga musikvideon inte planerad alls. Till en början föreställde vi oss något mycket mer konventionellt. Vi pratade om att arbeta med dansare och spela in en riktig musikvideo, och Anay hade några egna visuella koncept som vi utforskade.

Sedan öppnade jag en dag, nästan av en slump, de webbläsarbaserade visuella uttryck vi hade byggt och började dansa till Half My Sky på mitt rum. Jag skärminspelade det som hände på min laptop, tittade på det och något föll på plats. Jag insåg att ingen koreograf eller skådespelare fysiskt kunde uttrycka vad låten betydde för mig på riktigt samma sätt, eftersom den kom från en så personlig plats. Rörelserna var inte koreograferade: de var helt enkelt min kropp som reagerade på något jag hade skrivit.

Det var då vi bestämde oss för att hålla det enkelt. I stället för att producera en större musikvideo lät vi känslan leda vägen. Det man ser är i princip mig när jag interagerar med visuella uttryck som vi själva hade byggt, och på något sätt kändes det mycket ärligare än något av det vi ursprungligen hade planerat. Jag tror att det här är något vi har lärt oss gång på gång under arbetet med projektet: ibland är den mest autentiska lösningen inte den största. Det är den som känns ärligast.

En sak som verkligen slog mig är att Psycho Baiko har vuxit till något mycket större än ett musikprojekt. När insåg ni att ni byggde ett helt kreativt ekosystem snarare än att bara släppa låtar?
PSYCHO BAIKO: Jag tror inte att det fanns ett enda ögonblick. Det hände så gradvis att vi nästan inte märkte det själva. Vi löste ett kreativt problem och slutade nästan instinktivt med att skapa något annat. Vi skrev ett musikstycke, vilket fick oss att tänka på visuella uttryck. De visuella uttrycken fick oss att fråga om vi kunde bygga våra egna verktyg. Att bygga verktygen fick oss att tänka om kring liveframträdanden. Framträdandena ledde till att vi började tillverka produkter för hand. En fråga ledde helt enkelt vidare till nästa. När jag ser tillbaka inser jag att vi aldrig egentligen var intresserade av att bygga “innehåll”. Vi byggde ett sätt att skapa. Vid någon punkt slutade vi fråga “Vad är nästa släpp?” och började fråga “Vilken är nästa idé värd att utforska?” Det är ett helt annat tankesätt.
Ekosystemet växte fram eftersom vår nyfikenhet vägrade stanna på en plats. Jag tror att det också är därför vi inte ser Psycho Baiko som ett varumärke. Varumärken frågar vanligtvis “Hur håller vi oss konsekventa?” Vi brukar fråga “Hur förblir vi nyfikna?”

Era webbläsarbaserade interaktiva visuella uttryck är ett lysande exempel på hur teknik kan göras tillgänglig. Hur kom idén först till, och hur har människor reagerat när de experimenterat med den?
PSYCHO BAIKO: Idén kom faktiskt från dans snarare än teknik. Vi har båda tillbringat år på dansgolv, och några av mina favoritminnen handlar inte om att titta på DJ:s, utan om att dansa i timmar med fullständiga främlingar. Det är vad elektronisk musik alltid har handlat om för oss. DJ:n kanske leder resan, men det är människorna på dansgolvet som verkligen ger den liv.

Som DJ hämtar jag otroligt mycket energi från dansare. Jag dansar med dem, får energi av deras rörelser och tror verkligen att de är en av de mest förbisedda delarna av den elektroniska musikkulturen. Vi ville hylla det. Så vi började fråga oss: Tänk om publiken inte bara tittade på de visuella uttrycken? Tänk om de blev de visuella uttrycken?

Det var så det webbläsarbaserade visuella systemet föddes. I stället för att behandla visuella uttryck som något som projiceras bakom DJ:n ville vi att människor skulle interagera direkt med dem. Allt du behöver är en webbläsare och en webbkamera, och plötsligt blir dina egna rörelser en del av konstverket.

På många sätt flyttar det fokus tillbaka till där vi tycker att det alltid har hört hemma: till själva dansgolvet. Responsen har ärligt talat varit fantastisk. Vi har använt de visuella uttrycken på fester, och i samma ögonblick som människor inser att de styr dem med sina egna kroppar förändras något. De blir lekfulla. De börjar experimentera. Fullständiga främlingar börjar dansa tillsammans. Att se det hända har varit otroligt givande, eftersom det är precis vad vi hoppades att de visuella uttrycken skulle göra: uppmuntra deltagande snarare än passiv konsumtion.

I slutändan är det vad elektronisk musik alltid har betytt för mig. Att inte stå på en scen ovanför människor, utan att bli en del av samma gemensamma upplevelse.

Anay har också utvecklat webbläsarbaserade verktyg för sekvensering och liveframträdanden. Hur påverkar sådana projekt ert sätt att tänka kring elektroniska liveframträdanden?
PSYCHO BAIKO: Mer än något annat har de förändrat vilka frågor vi ställer.

Jag tror inte att vi är särskilt intresserade av att bygga mer teknik bara för sakens skull. Vi är intresserade av att fråga vilken roll tekniken faktiskt bör spela i konstnärliga uttryck.

En idé jag har tänkt på på sistone är en komposition om musikens egen födelse. Långt före instrumenten, långt före mjukvaran och långt före den elektroniska musiken hade vi redan rytm. Vi hade andetag, fotsteg, handklappningar, röster, dans, stenar, trä och ljuden från den naturliga världen. Människor skapade musik långt innan de hade teknik.

Det fick mig att undra: tänk om kroppen återigen blev det primära instrumentet? Tänk om dansare, fotsteg, andetag, knackningar, primitiva material och mänskliga röster utgjorde grunden för en komposition, medan tekniken helt enkelt hjälpte till att fånga, omforma och förstärka ljuden i stället för att bli själva mittpunkten? Jag tror att det är där Anay och jag möts filosofiskt. Oavsett om han bygger webbläsarbaserade sekvenseringsverktyg eller interaktiva visuella uttryck är tekniken aldrig målet. Den är helt enkelt ännu ett konstnärligt medium. Den bör försvinna in i upplevelsen snarare än dominera den.

Det är också så vi tänker kring liveframträdanden. Publiken ska inte gå därifrån och bara prata om mjukvaran eller utrustningen. De ska minnas hur framträdandet fick dem att känna, hur det bjöd in dem att delta och hur det skapade en gemensam upplevelse.

Ironiskt nog påminner våra teknikexperiment oss allt mer om att det kraftfullaste instrument vi någonsin kommer att ha fortfarande är människokroppen. Allt annat är helt enkelt en förlängning av den.

Ser ni en framtid där artister i allt högre grad bygger specialanpassade verktyg i stället för att helt förlita sig på kommersiell mjukvara och hårdvara?
PSYCHO BAIKO: Jag tror inte att varje artist behöver bli programmerare eller bygga sina egna verktyg, och jag tror inte att kommersiell mjukvara eller hårdvara är fienden. Vi använder många av de verktygen själva, och de har förändrat musikskapandet på otroliga sätt. Det vi hoppas på är att artister blir mer bekväma med att ifrågasätta verktygen de får, i stället för att anta att de är det enda sättet att skapa.

Varje artist har ett unikt sätt att tänka. Om dina idéer inte passar snyggt in i befintlig mjukvara eller befintliga upplägg för liveframträdanden kanske det inte är en begränsning – det kan vara en inbjudan att uppfinna något nytt. Det har varit vår erfarenhet med Psycho Baiko. Vi vaknade aldrig en morgon och sa: “Nu bygger vi mjukvara.” Vi försökte helt enkelt lösa kreativa problem som var viktiga för oss.

Jag tror faktiskt att vi går in i en väldigt spännande tid där artister återigen blir skapare. De komponerar inte bara musik: de designar instrument, bygger mjukvara, skapar visuella system och uppfinner helt nya sätt att framträda. Det är en vacker förändring, eftersom den påminner oss om att konst och uppfinningar alltid har gått hand i hand. Ännu viktigare är att jag hoppas att vi inte tappar bort varför vi bygger de här sakerna.

Med mer originalmusik i sikte, hur ser ni att Psycho Baiko utvecklas under de kommande åren?
PSYCHO BAIKO: Vi hoppas att Psycho Baiko fortsätter att bli mer tvärdisciplinärt snarare än mer förutsägbart. Självklart kommer det mer originalmusik, och det är en stor del av resan, men vi vill inte att projektet ska begränsas till att släppa singlar och spela konserter.

Vi vill gärna fortsätta bygga uppslukande liveupplevelser där musik, visuella uttryck, teknik, dans och berättande existerar som ett enda samtal snarare än som separata element. Vi är också djupt intresserade av att utforska kultur genom musik. India har en extraordinär mångfald av musikaliska traditioner, berättelser, språk och sätt att uppleva rytm, och vi vill fortsätta hitta respektfulla, samtida sätt för de världarna att möta elektronisk musik – inte genom fusion för fusionens skull, utan genom en genuin dialog.

Vi vill också att Psycho Baiko ska förbli en plats för experiment. Vissa idéer kanske blir inspelningar. Andra kanske blir visuella installationer, serier, essäer, filmer, liveframträdanden eller kreativa verktyg. Vi vill inte bestämma mediet innan vi har upptäckt idén.

I slutändan, vad hoppas ni att människor främst ska minnas om Psycho Baiko? Musiken, framträdandena, tekniken eller helt enkelt idén att vem som helst kan bygga något meningsfullt med de verktyg de har?
PSYCHO BAIKO: Ärligt talat hoppas jag att de minns tillåtelsen mer än projektet. Självklart vill vi att människor ska knyta an till musiken. Vi hoppas att de dansar på spelningarna, upptäcker något nytt genom de visuella uttrycken och hittar mening i berättelserna vi försöker berätta. Men om det är allt de minns tycker vi bara att vi har uppnått en del av det vi föresatte oss att göra.

Vi hoppas att Psycho Baiko påminner människor om att artister inte behöver passa in i prydliga kategorier. Du kan vara musiker och teknolog. Psykolog och DJ. Poet och producent. Dansare och berättare. Några av de mest spännande idéerna uppstår när vi slutar fråga oss vilken låda vi hör hemma i och börjar fråga vad vi verkligen är nyfikna på.

I grunden har Psycho Baiko alltid handlat om att ifrågasätta ärvda antaganden: om musik, teknik, kultur, kön och kreativitet. Inte för att vi har alla svar, utan för att vi tror att bättre frågor ofta leder till bättre konst.

Om människor minns oss för något hoppas vi att det är detta: att vi lämnade den kreativa världen lite öppnare än vi fann den. Att vi uppmuntrade några människor att ta risker, bygga något eget och inse att de aldrig behövde någons tillåtelse för att kalla sig konstnärer.

För oss skulle det vara ett arv långt större än streams, följare eller festivalbokningar.

Följ TFword på: Instagram | Facebook | X

Du kanske också gillar:

Sabre återvänder till Critical Music för oavslutade Drum & Bass-affärer

Mustard Music destillerar sin identitet på ‘Inglorious Mustards 2’

Hospital Records står för soundtracket till Forza Horizon 6 med 24 nya Drum & Bass-spår